INTERVIEW – felicity (フェリシティ)

KEIZOmachine! "前やん feat. DOZAN11" インタビュー

admin_fct — Wed, 17 Jul 2019 09:00:39 +0000

KEIZOmachine! "前やん feat. DOZAN11" インタビュー

Interview & Text 高木"JET"晋一郎

―「前やん feat. DOZAN11」にはDOZAN11さんが参加されましたね。この曲のフックの「前やん」というキーワードも印象的です。: 「ただ、DOZAN11さんによると、『前やん』っていうのは、『前田君』とかにつけるあだ名だと思われると」

―関東だと「前ちゃん」みたいな。: 「そうそう。だから『前に行こう』という事は『前やん』とはあまり言わないと。でも、フックになってますよね。恋愛系／失恋系の歌詞だから、余計に『前やん』っていう歌詞が効いたと思いますね。未練じゃなくて、前に行こう！っていう」

―「前やん」というフレーズの印象はかなり鮮烈でした。そもそもDOZAN11さんとの繋がりは？: 「もともとDJ HI-CとDOZAN11さんが友達だったんですよね。DJ HI-Cと僕が渋谷ASIAでパーティをした時に、DOZAN11さんが遊びにきてくれて、そこで繋がったんですよね。それでDOZANさんがDTMソフトの『Ableton LIVE』の使い方を知りたいって、僕のウチに遊びに来て。それで『教えてもらったお礼に一曲あげるわ』って速攻、録ってくれた歌が元になったんです」

―ある意味ではスキル・トレードだったと。: 「それで、何度かウチに遊びに来てくれる中で、新しくパートを録って貰ったり、僕もエディットしたりして、ブラッシュ・アップしていって、最終型にしていったというか」

―この曲は、ピアノ・リフでアップ・リフトする、いわゆるハウスやトランスなどでは定番だけれども、HIFANAではあまりなかったタイプの展開をしていきますね。: 「それも単純にやってみたかったんですよね。昨今のベース・ミュージックとかEDMも好きなので、キラーなドロップがあるような曲も作ってみたかったんです。DJでかけるのもそういう曲が好きだし、こういう曲を作った事がないから楽しそうだなと」

―ではこれからの動きを教えてください。: 「これまでは客演を迎えたヴォーカルものをソロではリリースしてきたんですが、インスト曲も作ってるので、そういった楽曲も含めてミニアルバム的なものが作れればとを考えてます。それから友人がタイで『ゴジャ』っていうギャラリーをやってるんですが、最近レーベルを作ったので、そこからタイ人の女性ラッパーとコラボした曲もリリースしてます。台湾のラッパーとのコラボ楽曲が進行中だったり、そういった動きもどんどん広げて入れればなと思います。それから、DJもけっこうやってるので是非遊びに来て欲しいです。キラーでキャッチーな曲がいっぱい聴けて楽しいですよ♪」

KEIZOmachine! 「前やん feat. DOZAN11」
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KEIZOmachine! 「PUTIN feat. SHINGO★西成 & KIREEK」
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KEIZOmachine!「ONSEN CALIENTE feat. Kumar Sublevao Beat」
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KEIZOmachine!「ONSEN CALIENTE feat. Kumar Sublevao Beat」
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KEIZOmachine! "PUTIN feat. SHINGO★西成 & KIREEK" インタビュー

admin_fct — Tue, 11 Jun 2019 09:00:50 +0000

KEIZOmachine! "PUTIN feat. SHINGO★西成 & KIREEK" インタビュー

Interview & Text 高木"JET"晋一郎

―SHINGO★西成さんとの楽曲は、デモを聴かせて頂いた段階だとタイトルが「プーチン」になったんですが、これは仮タイトルですか？: 「いや、これが本タイトルですね（笑）。SHINGO君によると政治的な意図とか思想は全くなくて、「ブレない」っていう意味で「プーチン」らしいです。「プーチン、あいつはブレへんで～」って（笑）」

―SHINGOさんと一緒に楽曲を作られたキッカケは？: 「SHINGO君とはちょくちょくいろんな現場で会っていたしもちろんファンなので、ずっと一緒に曲が作りたいと思っていて、ソロで制作を始めたこのタイミングで客演をお願いします、と。SHINGO君は、東日本大震災が起こった時に、僕がSoundCloudにアップしたインスト「スネ夫Japan自慢」にもラップをのせてくれたんです。「スネ夫Japan自慢」のトラックの趣旨は、タイトルから分かるかもしれませんが（笑）、震災が起きてみんながずっと緊張してネットを見続けてた時期がありましたよね。その時たまたまYouTubeで「スネ夫が自慢話をする時に流れてるBGM」っていうタイトルがあってそれを聴いたんです。あの呑気なBGMに僕自信がスゴく癒やされたんです。それでそのBGMをサンプリングしたトラックを作って、ラップや歌で日本のいいところを自慢してくれないか、って呼びかけたんです。そうしたら色んな人が参加してくれたんですが、そこにSHINGOくんも参加してくれて。ただ、それは30秒ぐらいの作品だったんで、ちゃんと長尺で形にしたいなとずっと思ってたんです。それが今回、実現した感じですね」

―内容的にはパーティ感の強い内容になってますね。: 「この曲はあんまりメッセージやコンセプトは要らないかなって。それよりも、とにかく盛り上がる曲を作ろうっていうのが前提でしたね.。ビート感的には、民族音楽からのサンプリングを使いながら、少しTRAPのニュアンスを入れた感じに出来ればなって。単純にTRAPが好きだし、DJプレイでもバキバキの4つ打ちやTRAPはかけるので、その要素は入れたくなっちゃいますね」

―MVは新世界やアメ村など、大阪で撮影されていますね。: 「KIREEKのDJ HI-Cに紹介してもらった「のびしろラボ」の奥本宏幸さんに作ってもらいました。奥本さんはKIREEKやDJ HI-Cのライヴの時にVJをしている方で、そんなに予算はないんだけど……ってお願いしたんですが、快くOKしてくれました。それで曲を聴かせつつ、大阪をテーマにして、街を練り歩きながら、最後はライヴで……っていうイメージを伝えて、奥本さんのアイディアと摺り合せて作ってもらった感じですね。オバチャーンにも活躍していただきました（笑）」

―エンディングでは様々なアーティストが映像参加していますが、これはこの後に繋がる布石だったりしますか？: 「あのパートは友情出演／カメオ出演みたいなことがやってみたいなって。曲の中でもあの部分はライヴとかでみんなに歌って欲しいパートでもあったので、それを仲間内に歌ってもらう映像を挿入できればインパクトにもなるし、楽しいだろうなって。もしかしたら今後の作品に繋がるかも知れないけど、布石ってほどではないですね」

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KEIZOmachine!「ONSEN CALIENTE feat. Kumar Sublevao Beat」
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KEIZOmachine! インタビュー

admin_fct — Mon, 25 Mar 2019 09:00:40 +0000

KEIZOmachine! インタビュー

Interview & Text 高木"JET"晋一郎

―KEIZOmachine!さんは昨年6月に「ONSEN CALIENTE feat. Kumar Sublevao-Beat」をYouTubeにアップし、配信リリースもされました。あの楽曲はHIFANAではなく、ソロ名義でのリリースになりましたが、ソロでの制作を進められたキッカケは？: 昨今の音楽ネット事情の進化を肌で感じていたので自分ひとりでもソロ作品を気軽にリリースしたいという思いがありました。そんな時に僕の兄のIzpon（パーカッショニスト）の紹介で来日中のスペイン在住のキューバ人Kumar Sublevao-BeatのLiveを浅草に観に行ったんです。彼のLiveではMPC(サンプラー)を叩きつつプログラミングされたビートをかけながら歌うというスタイルに思わず踊ってしまいました。そして僕がソロ作品を作っていて歌ってくれないかというオファーに快くのってくれて僕の家に遊びに来てくれたんです。空いてるいくつかのデモトラックを聴かせたところ、1つのトラックを気に入って歌いだしたんです。「じゃあ録音しよう！」ってできたのが「ONSEN CALIENTE」でした。日本に何日かいるということだったので、すぐにロケーションのいい温泉宿を探してMVを撮影しに行きました。iPhoneだけで(笑)。ちょうどiPhoneにもつけられる揺れない君(スタビライザー)を買ったばっかりだったのでね。
旧友のグラフィックデザイナーの志気慶二郎氏に歌詞の文字デザインをしてもらい、GROUNDRIDDIMチームにエフェクトを加えてもらって完成させたんですがカット割りは自分でパソコンでやりました。

―ソロとしてそういったスピード感が欲しかったという感じですか？: ソロプロジェクトも始めようと意気込んでいた時期だし、制作はもちろん配信まで全部自分で出来る時代になっていたのでそこに興味がありましたね。
結局一人ではできませんでしたけど(笑)。

―そして3月15日にリリースされる「UPSIDEDOWN」には、m-floのVERBALがフィーチャリングで参加となりました。VERBALさんとはキャリア的なつながりはあったんですか？: ありませんでした。ラッパーとして声とフロウが格好いいので昔から好きでした。今回はダメ元でお願いしたんです。

―今回の「UPSIDEDOWN」というテーマについて教えて下さい。: 「あべこべ」がテーマの曲なので、まずキックとスネアの配置が逆になっています。通常ドラムは、ドッチッタ（キック／ハット／スネア）の配置ですがUPSIDEDOWNでは「タッチッド（スネア／ハット／キック）」になっています。
歌詞に関しても上から読んでも下から読んでも同じに発音になる回分を多用しています。
「まさかさかさま？」「カッケーけっか」「レーダーのるのだーれ？」など。
VERBALさんと一緒に回分の作り方をネットで見たりしていましたが、彼が作ってきたものはさすがの一言でしたね。

―ビートが一瞬追いづらいと思ったのはそれが理由だったんですね。: 「あれ？」ってなりますよね(笑)。そういうちょっと変な感じも楽しんでもらえるといいですね。キックととスネアの配置が逆の曲で「UPSIDEDOWN」っていう新しいジャンルを作ろうかなとか妄想していました(笑)。
MVはいつも一緒に活動しているGROUNDRIDDIMのメンバーにデジタルハリウッド大学の教員をしている仲間がいて、生徒さんに授業の一環としてMVを作るのはどうだろうというアイデアをもらったんです。複数の生徒さん達に細かくパートごとに作ってもらって、それを組み合わせたのがこの曲のMVです。デジタルコラージュのいい作品になりました。
VERBALさんの声の録音とMVの撮影自体は4年前にしたものですが、なかなかリリースに至りませんでした。VERBALさんはファッション畑の人でもあるので申し訳ない気持ちが強かったです。MVでの彼のファッションは4年前の彼のお気に入りで今とは違うでしょうから。今回こうしてようやくリリースできることを本当に嬉しく思っています。ありがとうございます。

KEIZOmachine!「ONSEN CALIENTE feat. Kumar Sublevao Beat」
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KEIZOmachine!「ONSEN CALIENTE feat. Kumar Sublevao Beat」
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HALFBY「LAST ALOHA」発売記念対談　HALFBY×王舟

admin_fct — Thu, 27 Sep 2018 09:00:28 +0000

HALFBY「LAST ALOHA」発売記念対談

Text：田中亮太

Photo：タイコウクニヨシ

HALFBYがみずから〈ハワイ最終章〉と位置付けるニュー・アルバム『LAST ALOHA』。前作『innn HAWAII』同様、エキゾティックで色鮮やかな音楽トリップへと聴き手を誘うとともに、HALFBY史上もっともチラウンジーでチル―――日常の時間間隔を心地よく弛緩させ、ありふれた世界と白昼夢を繋げてしまうような作品になっている。そして、好評を博した前作でのAlfred Beach Sandalとのコラボに続いて、今作でも若い世代のシンガー・ソングライターをフィーチャー。『LAST ALOHA』屈指のメロウ・ソウル“くり返す”で作詞を担い、艶やかな歌声を乗せるのが王舟だ。今回、HALFBYと王舟との対談が実現。世代も音楽的な背景も異なる両者をシンクロさせた〈異邦人的なるもの〉とは果たして?

― まず、王舟さんはHALFBYの音楽について、どんな印象を持たれていましたか?: 高橋孝博（HALFBY）　そもそも知ってた?; 王舟　HomecomingsやTurntable Filmsなど（HALFBYも所属する）Second Royalのバンドと結構一緒にやってたから、なんとなく名前は前から知っていて。HALFBYさんのアルバム『innn HAWAII』（2015年）にビーサン（Alfred Beach Sandal）が参加したタイミングくらいで、初めて喋ったんじゃないですかね?; 高橋　たぶん恵比寿のLIQUIDROOMでやっていたカクバリズムのイヴェント※かな。僕は一方的に知っていて、ファーストの『Wang』（2014年）から聴いていたんです。いわゆる日本のシンガー・ソングライターぽくないところが好きだった。そのあと、セカンド・アルバムの『PICTURE』（2016年）を聴いてからますますファンになって、自分の作品でも頼みたいなと思ったんだよね　※2016年8月21日に開催された〈カクバリズムの夏祭り〉; 王　LIQUIDROOMのDJで、確か（『PICTURE』収録曲の）“Moebius”をかけてくれてましたよね?; 高橋　そうそう。そのとき、タッツ（仲原達彦／王舟の当時のA&R）を通して、〈僕のアルバムの曲で歌ってほしい〉ってオファーをしたんだけど、王舟は〈DJで王舟の曲をかけるから出てきて歌ってほしい〉と思ったらしく（笑）、〈それはめんどうくさいなー〉と言ってた。さすがにそれはダサイから違うって。僕がこれから作る曲で歌ってほしいとお願いしました; 王　そういうことなら、ぜひぜひと

― 大所帯で作ったアンタイ・フォーク／アメリカーナ的な『Wang』と、宅録で全楽器をみずから演奏したフォークトロニカ／インディー・ファンク的な『PICTURE』。王舟さんは、ファーストとセカンドで作品の趣をガラリと変えましたよね。高橋さんは、その変化をどう見ていました?: 高橋　あれで急激になんだろ……親近感が出たっていうか。『Wang』の感じもありつつ、残り半分くらいの曲の雰囲気はガラっと変わっていて、インストを挟んでいり、自分の作品とも重なってくるなーと　。カントリーの牧歌性はキープしつつ、ちょっとメロウな感じになってたよね。ドラムも打ち込みになって箱庭感が増した。王舟はこういう引き出しもあるんだなと思ったし、自分の作品で歌ってもらうとすごく良さそうだなとイメージが湧いて; 王　自分から〈次は宅録です〉と言ったわけじゃなくて、確かタッツやレーベル・スタッフから言われて、それもアリだなとやってみたんです。制作の終盤には、〈ゲストでこういう人を入れたい〉というリストも作ったんだけど、〈予算もうないし無理〉と言われて（笑）。すべて自分で完成させました; 高橋　結果、僕に親近感を持たれたというね（笑）。

― 王舟さんがHALFBYの前作『innn HAWAII』を聴いての感想は?: 王　自分と近いって感覚はありました。なんというか異邦人的な音楽（笑）。あと、ハワイってのがテーマとしてすごく良い感じだなと。俺はそんなに聴いてなかったけど細野（晴臣）さんやマーティン・デニーとはまた違った南国感がある; 高橋　実際そこはすごく意識しました。いわゆる細野さんのエキゾ3部作とか相当の後追いだし。僕の中のエキゾ?ラウンジなものってマイク・オールウェイのやっていたel そのものというか、ネオ・ラウンジとかもそうだけどインチキ臭い雰囲気が個人的にも好きで。（本物志向ではない）疑似感というか偽物感みたいなものが僕の作る音楽のおもしろさとかいうか、作品を作るうえでの使命だとも思っていて。まぁ、ゆえにたいして共感されないんだけど（笑）; 王　俺も『PICTURE』は、下手な奴が打ち込みやったようなアルバムのイメージで作ったんですよ。そのうえでHALFBYさんを聴くと、これは宅録の方向性としては良いなって思った。しかもハワイ三部作でしたっけ?; 高橋　いや、二部作（笑）。でも、前に『THE ISLAND OF CURIOCITY』（2010年）ってアルバムを作ったんだけど、それは架空のアイランドがテーマといういちばんやっちゃいけないタイプの作品で（笑）。前作はその作品でやれてなかったことの回収作業でもあったし、もともとコンセプトがあって、そこに音楽を揃えていくみたいな作り方は好きなんだよね。だから、ハワイはタイミング的にも良かった。王舟の『PICTURE』は『innn HAWAII』と並べて聴いても親近感があったな。みんなオーガニックだったりテクニカルになっていきがちなところをあえて外すというか、それでいて謎にファンキーな曲があったり、スキャットの曲もあったり、王舟はやっぱり変わってるなーと

― 高橋さんが前作でAlfred Beach Sandalにオファーしたときは、彼が自分の作品では歌わなさそうな楽曲というイメージがあったと言われていましたね。今回、王舟さんにお声掛けするときも、そういった視点はありましたか?: 高橋　王舟については、完全に歌ものじゃなくてもいいし、メロディーとかも少なくてもいいかなと、最初は思っていました。コーラスだけとか、ボサノヴァ風にダバダバとか言っている曲でも良さそうだなーと考えてたけど、それこそ王舟は自分のアルバムでやっていましたしね; 王　俺が歌うにあたって、日本語と英語どっちがいいかなと思ったんだけど、日本語のほうがおもしろそうだなとは決めて; 高橋　そうそう。王舟の日本語はちょっと変わっているし、実際に歌が入って返ってきたとき、〈きみを繰り返す〉と歌ってて〈きた!〉と思った。独特な愛情表現というか

― 王舟さんは歌詞を書くうえで〈ハワイ〉という意識はあったんですか?: 王　HALFBYさんにも話したんですけど、ハワイの田舎に住んでいる奴のことを想像して書きました。ただ、たまたまそいつはハワイに住んでいるけど、自分の身の周りにもいそうな奴というか。最初はHALFBYさんをモデルに考えていたんですよ。今HALFBYさんは京都に住んでいますけど、ハワイにも同じような場所があって、そこにもHALFBYさんみたいな人が住んでいる、そういうイメージから考えはじめたっていう

― 高橋さんは歌詞を読んでみていかがでした?: 高橋　温度感が合っているなと感じました。リゾート感たっぷりの明るいのじゃなくて、淡々としたハワイでの暮らしと、好きな女の子もいてという普通の話がいいなと思った; 王　これ言わないほうがいいかもしれないけど、ここでいう〈きみ〉は音楽のことなんですよ; 高橋　あ、そうなんだ!　女の子じゃなくて（笑）; 王　ハワイの田舎にいる音楽好きのことなんです; 高橋　そうなんだ。でも、たぶん僕の地元とも近いんじゃないかな。おそらくこの歌の彼も自分の街から出たことなくて、きっとワイキキとかも知らないんだろうね

― 高橋さんはずっと京都に住みながら音楽家として活動されてきたわけですよね。どうしても東京を中心に動きがちな音楽カルチャーのなかで、道なき道を歩んできた実感はあるんじゃないですか?: 高橋　まぁ、自分は音楽やそれに付属するようなカルチャーが好きで、友達と集まって遊んでるなかで、何なんとなく音源を作り出したって感じだったので、活動というより当時は自分たちが楽しむことを優先していただけで。だから特に京都から発信するとかこだわりはなかったけど、レコード・ショップのバイトを通して渋谷系の中から生まれて来たような世代だったので、今考えると京都ながらにその空気感は上手く引き継いでいきたいってのはあったのかもなーと。それでも、やっぱりリスナー気質というか、自分が10代のときに聴いていたアーティストたちと同じように作る側にいるとは思えなかったし

― それが、この5年くらいで少しずつ変化していっている?: 高橋　変わってないような気もするけど、その瞬間に消化されるような音楽ではなくて、後世にも聴かれるようなアルバムが作りたいなって。じっくりと箱庭感を作り上げていくことは、自分がアーティストであることを自覚していく作業でもあったから。とはいえ、誰も聴いたことのないような前衛的な音楽をめざすのは僕の役目ではなくて、ただただ自分の作りたい理想を追求するというか

― とすれば、『innn HAWAII』～『LAST ALOHA』の二作は、高橋さんにとってもHALFBYというアーティストを再定義した作品と言えそうですね。: 高橋　最初から『LAST ALOHA』を作りたかったんだけど、前作はどうしてもハワイに行ったばかりの高揚感や初期衝動的なものが自分のベースと結びついて、どうしてもテンションを押さえつけられなかった（笑）。ぬるま湯にしたかったのに沸騰しちゃったみたいな。以前よりBPMが遅くなったりチルったりはしているけど、『innn HAWAII』でやっていることは昔とそんなに変わってない。『LAST ALOHA』はシンセを多用したりサンプリングを減らしたり、意図的に無機質な音像へと向かったので、作り方の時点で違うね。まあお互いの作品の相乗効果もあるだろうし、シリーズってのも理想的だった

― 王舟さんは、『LAST ALOHA』を通して聴いてみて、いかがでした?: 王　アルバムの流れがまず良いし、クォリティーがむちゃくちゃ高いなと思った。アルバム全体を聴くと、最初はドローンのカメラで上空からハワイを映していたのがどんどん降りてきて、“くり返す”を境に個人的な視点に変わって、終盤はまた山とかの風景に拡がっていく感じ。俺はそういうふうな印象だったな; 高橋　実際、ドローンで撮影したハワイの景色なんかの映像をあてがいながらテンションを調整したんだよね。映像を越えていかないように押さえていくイメージ。ハワイアン・ミュージックといえばスラック・ギターなんかのトロピカルでカラっと明るい感じの音楽を想像するものだけど、無音でドローンの映像だけ観るとなんだかアンビエントに変換されて、ビーチの映像も自分にはやたらたそがれているように見えたり。なので、王舟が映像的に聴いてくれたのは嬉しいな。ジャケットのダイアモンド・ヘッドの絵も、当然いまはもっとリゾート開発されていて、まったく違う風景になっているんだけど、古き良きハワイをあくまで現代的なカットで、というのは意識して作ってもらった; 王　（アルバムのジャケットを観ながら）『LAST ALOHA』というタイトルも良いですよね; 高橋　〈LAST〉っていうフレーズは結構くるよね。自分の人生のなかでのラスト感みたいなものと照らし合わせてしまうというか。自分のやっていることに〈LAST〉を付けるとかそうないでしょ?　最後の晩餐じゃないけど、今日はラスト・ボウリングだとか言わない（笑）。〈LAST〉という意味合いには緊張感があったけど、その雰囲気にしていくことは、自分のめざしているアルバム像と近しかった。あと、制作途中で「ラスト・ジェダイもあった（笑）。でも実際、もうこれで終わってもいいなという気持ちもあるから、ぜんぜんラスト・アルバムという〈LAST〉でもいいんだよね。あと単純に〈ハワイ旅行の最終日〉という意味でもみんな使っているみたい」

― 以前の高橋さんは、そのときどきに聴いていた新譜やそれに紐付いたカルチャーをHALFBYとしてのサウンドに落とし込む作業をされていましたが、そういったスタンスにも『innn HAWAII』以降、変化があったそうですね。: 高橋　新譜から影響を受けなくなったというか、海外アーティストとの同時代性みたいなものも意識しなくなった。あとは聴き方の変化だよね。2010年頃まではなんとなく追えてたんだけど、デジタルのみのムーンバートンでDJを始めたり、アナログでフォローされるような音楽も細分化が進み過ぎて、情報過多なところも楽しめなくなった。レコードは相変わらず買っているんだけど。だから『LAST ALOHA』に関しては、『innn HAWAII』が基盤にはなっていて、そこからゆっくりとイメージを膨らませていくような。その頃と生活もあまり変わってないから、母と犬との田舎暮らしの中で、毎日の散歩道や季節によって変わる虫の鳴き声、近所の老人ホーム、堤防から見える苔むした景色なんかの日常的なくり返しが大きく反映されていると思う。その中でハワイをエキゾとして捉えながらもどこか疑似感を残すようなイメージで

― そういう疑似感、フェイク感を持った作品で、高橋さんが好きなものは?: 高橋　たとえばストック・ハウゼン&ウォークマン。当時も強引にラウンジ・コーナーで売られていたけど、これぞモンドというか、いい湯加減のサンプルソースをセンス一本で鬼コラージュしていて、時代が時代だけにドラムンベースかチープ＆ラウンジーの理想だね。あとはティプシー。確かレーベル・オーナーがマーティン・デニーやレス・バクスターのコレクターとかで、そのレコードをサンプリングして当時のネオ・ラウンジ?ダウン・テンポ的なサウンド・アプローチをしたとかそんな感じだったと思う。96年のスペース・エイジ・バチェラー・パッド・ミュージック; 王　『LAST ALOHA』の“All Supported by Aloha”※はドゥーピーズの“Love Songs（Love Is A Many Razor Bladed Things）っぽいですよね　※さまざまな〈Aloha〉という声をコラージュしている; 高橋　そうそう。ドゥーピーズも元ネタとしてはある。“All Supported by Aloha”はハワイで買ってきたレコードが役立った（笑）。結局サンプリングの曲も入れてしまうという。こういうセンスのアーティストって90年代後期にはイタリアとかにもいっぱいいたんだよね

― いま、〈イタリア〉というキーワードが出たから触れておきますと、王舟さんはBIOMANとイタリアで録音したアンビエントなアルバム『Villa Tereze』を先日リリースされましたね。: 高橋　あれもさ。みんながイメージする、いわゆるイタリアと違うでしょ?　録音した場所は、相当の田舎町というか。あそこにジローラモは住んでないでしょ?; 王　ほとんど誰も住んでいない（笑）; 高橋　ハハハ（笑）。王舟とBIOMANがレコーディングする場所として間違ってない感じが凄いよね。イタリアだけど、思っているイタリアじゃないというか; 王　イタリアもそうですけど、ある意味ハワイもちゃんと見たら日本とあんまり変わらないんじゃないかな; 高橋　地元とクロスオーバーするところがあるというか、それは海やホテルとかではなくて…うまく言えないけど、なんかねワイキキのビーチで星空を見ている感じと近所の草むらから空を見るときの感じは結構近くて。上空で見つけた飛行機のストロボライトを追う感じ。これを文字にするとヤバいと思うけど。ふと重なるときがあるんだよね; 王　土も木も細かい素材は、どこの国でもだいたい一緒じゃないですか?; 一同　ハハハハ（笑）!; 王　表面的には違うところはいっぱいあるけれど、おおもとは一緒で、でもなんか違う感じ。意外とそれがエキゾティックってことなんじゃないかな

― 確かに『LAST ALOHA』は、遠くの異国に想いを馳せているというより、近くに空想のハワイを引っ張ってきている感じなのかもしれませんね。: 高橋　近所の身近なところに無理やりエキゾを見つけている感じはあるかな; 王　近所のエキゾって良いですね; 高橋　ハハハ（笑）。足元のエキゾ

Analogfish『Still Life』インタビュー

admin_fct — Wed, 25 Jul 2018 09:00:26 +0000

Analogfish『Still Life』インタビュー

アナログフィッシュが約3年ぶりとなるニューアルバム『Still Life』を発表する。彼らの存在感を改めて世に知らしめた「三部作」、さらには前作『Almost A Rainbow』と、2010年代前半から中盤にかけては毎年のようにリリースを重ねてきたが、「バンドを続ける」ということを大前提に、このタイミングでもう一度自らの足元を見つめ直し、また新たな一歩を踏み出してみせた、穏やかでありながらもフレッシュな作品である。ジョルジョ・モランディの静物画からインスピレーションを受け取った『Still Life』というタイトルは、一見簡素だが、その実は豊かで普遍的という作品性を示すと同時に、何においてもスピードの速い現代社会において、微細に変化する日々の営みを見つめ直そうという意志の表れでもあるように思う。メンバー3人に、この3年間とアルバムについて語ってもらった。

― 新作『Still Life』はアルバムとしては約3年ぶりのリリースとなります。前作『Almost A Rainbow』までは毎年のようにリリースを続けていたわけですが、今回のスパンは意図的なものだったのでしょうか？: 下岡　いや、『Almost A Rainbow』から半年くらい経って、もう次のアルバムの話が出てて、何回かスタジオも設定されたりしたんですけど、全部ばらしてもらって、ズルズルと……なんか、できなかったんですよね。; 斉藤　“With You (Get It On)”だけは、去年の夏くらいには録ったんだけどね。

― 三部作と呼ばれた作品があり、さらには『Almost A Rainbow』も作って、ちょっと燃え尽きたような感じもあったのかなって。: 下岡　燃え尽きたわけじゃないけど……あんまり慌てて出しても意味ないんじゃないかって気持ちにはなって、そういう話をよく健太郎さんとしてましたね。だから、「これでいける」っていうのが出るまで、ゆっくり引っ張れないかと思ったって感じ。; 佐々木　来年20周年だし、今僕のバンドをやるモチベーションって、ネガティブな意味ではなく、「このバンドをどう続けていくか、維持していくか」ってところなので、無理やり作り続ける感じじゃなくて、もっとマイペースでいいんじゃないかって。; 斉藤　今はみんなちょっと離れて住んでたりもするし、コンスタントな活動はできないんです。前は月に何本ライブを入れて、それに合わせてリハを入れて、新曲を作って、それを試せるライブがすぐあるって感じだったけど、今はそういう感じじゃないんで。

― 離れてる、というと？: 下岡　今僕月の半分から20日くらい長野で暮らしてて、10日くらい東京に戻ってきて音楽やるみたいな感じなんです。『Almost A Rainbow』が終わった後に、「暮らすこともちゃんと考えよう」みたいな話をして、今はそうしてます。; 斉藤　「離れる」って言っても、海外に行っちゃったら活動は難しいだろうけど、もともと2人（下岡と佐々木）は長野が地元だし、そんなに難しいことじゃないと思ったので、「やってみたら？」って話をして、だんだんこういう感じになっていった感じです。

― 今はデータのやり取りでいくらでも音楽が作れるし、もちろん活動の仕方にもよるけど、距離はそこまで問題じゃなくなってますもんね。: 佐々木　さっきも言ったように、「アナログフィッシュを続けていく」ってことが大前提にあるから、自分の生活の基盤をしっかり作った上で、バンドをやろうっていう。あと去年はライブ活動休止期間が半年あったので、今までやりたいと思いつつやってなかったことをやろうと思って、DTMとか鍵盤もやってみて、いろいろ実りのある期間でした。

― 活動再開後のライブからはRyo Hamamotoさんが加わって、アルバムにも全面的に参加されていますね。: 下岡　僕は前からずっと「誰か入れたい」って言ってたんですよ。でも、なかなか2人のオッケーが出なくて、「こりゃ無理だな」って思ってたら、休んだ後のライブのときに、健太郎さんが「誰かに入ってもらったらいいんじゃない？」って言ってきて。逆にそのとき僕は「3人でやればいいか」と思ってたから、「俺が言ったときは全然納得してくれなかったのに」って思ったんですけど（笑）、まあ、Ryoくんは勝手知った仲だし、最高な人だから、よかったですね。; 佐々木　一回休んで、また3人で復活しても、あんまり面白くないんじゃないかなって。新しくなりたかったんですよね。; 斉藤　僕は単純に、晃がギター大変そうだから、もう一人いた方がいいかなって（笑）。; 下岡　ようやくちゃんとギター弾ける人が入ってくれました。

― 当初スタジオを設定してもなかなか上手く進まなかったのは、曲ができなかったから？　そもそもの方向性を模索していたから？: 下岡　どっちもかなあ。最初は何の手がかりもなかったんだけど、漠然と健太郎さんと「ラブソング作ろうか」ってことは言ってて。何でそうなったのか……いまいち思い出せないんだけど、それがぼんやりとありました。; 佐々木　ヨギーとかネバヤンとか、若いバンドも出てきてたけど、むしろ先輩の作品に刺激を受けることが多くて、サニーデイの『DANCE TO YOU』とか、「年とっても、ああいうのできるのいいよね」って話をしたのは覚えてる。うちらより上の世代の人で、ああいうフレッシュなものができるって、単純に、すごく勇気づけられたというか、「俺たちもまだまだ行ける」と思ったっていうか。; 下岡　ああ、『DANCE TO YOU』はよかった。あと前作で“No Rain (No Rainbow)”みたいな曲を書いて、「これはしめたぞ」っていうか、「ラブソングでもこういうこと言えるんだ」って思って、それをもう少しやりたい気持ちもありました。結局そういう感じの曲はあんまりできなかったんですけど。

― “With You (Get It On)”だけ先にできてたという話があって、実際に昨年11月に7インチでリリースされているわけですが、あの曲だけポッと先にできてたんですか？: 下岡　あれが特別早かったわけでもないよね。; 佐々木　何曲かあったけど、一番シングル向きだったっていうか。

― ジャズ～ヒップホップっていうのは近年のトレンドのひとつでもあるし、もともとループ好きの下岡さんからすれば、こういう曲調が出てくるのは「なるほど！」と思いました。: 下岡　でもあれ健太郎さんが作ったんです。で、聴かせてもらったときにすごいいいなって思って、「俺に書かせてくれない？」って、コーラス以外の部分は僕が書いて。さっき『DANCE TO YOU』の話しましたけど、最初に「次どういうことやろうか？」ってなって、みんなで「今これ気に入ってるんだよね」ってシェアした音の中に、NonameとかUnknown Mortal Orchestraとかがあって、その辺の感じがしたから、ぴったりだなって。; 佐々木　最初はスティーヴィーの“Sir Duke”みたいなイメージでバンドに持って行ったんですけど、ちょうどその頃Spotifyでいろいろ聴き始めて、Nonameに出会ったんです。僕Chance the Rapperとかって、好きだけど、そこまでハマってなかった中で、Nonameは僕にも好きになれる要素がいっぱいあったので、あのイメージは結構デカかったですね。; 斉藤　リズムに関しては、僕Group Homeの曲のリズムパターンが好きで、それは打ち込みなんですけど、それと健太郎が考えてきたパターンが一緒だったので、そんな感じでやってみました。

― バンドのモード的に、『Almost A Rainbow』の後で、またアッパーなものをやるというよりは、落ち着いたトーンのものをやりたかったっていうのもありましたか？: 下岡　ベックって、みんなで踊れるやつと、ちょっと固いやつと交互に作るじゃないですか？わりとそういう感じなんですよね。まあ、最初に「ラブソングをやろう」って言ったんですけど、この3年間でもいろんなことがあって、いろんなニュースを見るから、「ロックバンドなのに、こんなことやってていいのか？」とも思ったりはしたんです。でも今回に関しては、最終的に最初の方向性を堅持した方がいいんじゃないかと思ったんですよね。

― リードトラックの“Sophisticated Love”にしても、本作の「ラブソング」というテーマを象徴していますよね。こういう達郎さんイズムを感じさせる曲で、健太郎さんではなく、下岡さんの曲がリードっていうのもちょっと新鮮でした。: 下岡　僕はアルバムの中のちょっとした曲のポジションで作ってたから、うちのボスが「これでMV作ろう」って言ったのはちょっと意外だったんです。でもこの曲って、20年気にしてやってきたこと、シンプルでタイトなリズムで、ギターがジャラーンって鳴って、歌もので、ベースがちょっと気になる動き方をするみたいな、僕たちがやってきたサウンドのバランスの結晶みたいなものだなって思うんで、それはよかった。この曲はホントにそこが好きっていうか、歌うことは何でもよくて、この演奏がすごく好きで、僕たちがやりたいやつだなって。

― 確かに、「達郎さんイズム」って言っちゃいましたけど、じゃあ、このアレンジを達郎さんがやるかって、絶対やんないですもんね。要素としては入ってるけど、ベースラインを筆頭に、このアレンジはやっぱりアナログフィッシュでしかないと思うし。: 斉藤　各々が得意な部分を使ってるだけっていうか、そういうストレスなくできた曲を、ボスがよく思ってくれたっていうのは、すごくいい結果だと思います。; 佐々木　これはアナログフィッシュで弾く僕のベースの中では得意なパターンなんですけど、サビでは初めてスラップで弾いてるので、自分的には新しくもあります。

― 健太郎さんが歌ってるミニマルファンクな“Time”に関しても、アナログフィッシュらしいアレンジですけど、どちらかというと、下岡さんっぽいアレンジだなって思いました。: 佐々木　これは僕もともとすごい気に入ってたんですけど、晃が「違うんじゃない？」って言い続けてて、でもめげずに試行錯誤を続けて（笑）、この形でようやく「入れよう」ってなったんです。最初はTV on the Radioっぽい曲を作ろうとしてたんですけど、「ちょっと暗すぎるね」って話で、いろんなバージョンを作りましたね。; 下岡　これは健太郎さんが家でPCで作り上げた部分がデカいかも。; 佐々木　家でこんなに何でもできるんだって思えたのはデカかったです。

― DTMを始めた成果ということですよね。今までの健太郎さんの曲は、最初にコードとメロディーがあって、アレンジはバンド全体で詰めていくことが多いという話だったと思うんですけど、今回は健太郎さん自身でアレンジまで詰めて行ったと。: 佐々木　そうですね。最初に話したように、物理的になかなか一緒に音を出せない状態の中で、ある程度自分が作らないと、時間がなくなっちゃっていうのもあったので。

― 歌詞に関しては、「ラブソング」というキーワードがあった上で、健太郎さんご自身としてはどんなことを考えて書きましたか？: 佐々木　「ラブソング」っていうのはぼんやりしたコンセプトだったので、そこまで強く意識したわけじゃないんですけど、ずっと念頭にはありました。前作くらいから、あんまり2人が離れすぎない方がいいと思ってて、アルバムの世界観について晃と話すことも多くなって。

― 2人それぞれの個性を出すというよりも、アナログフィッシュとしての個性を出そうと。: 佐々木　そうですね。アナログフィッシュとしての全体性の方が大事なんじゃないかって、個人的にはそう思ってました。

― 一曲目の“Copy & Paste”はハーモニーが非常に印象的で、これ最初ボーカルエフェクト使ってるのかなって思ったんですけど……。: 下岡　全部歌ってます。

― ですよね。でも、一瞬フランク・オーシャンみたいだなって。: 下岡　それは狙いっていうか、そう思わせるっていうか……でも、それをやるのはこの人（佐々木）っていう（笑）。; 佐々木　最初「Fleet FoxesかQueenか」って言ってたよね。; 下岡　結局何風のコーラスにするって言ってたんだっけ？; 佐々木　The Four Freshmen。; 下岡　曲自体は、長野でダークダックスをよく聴いてて、それで書いたんですけど（笑）。

― ダークダックスっぽくもあり、ゴスペルっぽくもあると（笑）。: 下岡　そうそう、歌に黒っぽさはないですけど、ダークダックスを聴いて作ったのを、フランク・オーシャンみたいに思うっていうのは、やりたかったことですね（笑）。

― 思惑通りにハマりました（笑）。あと、この曲の歌詞が〈今日も大変だった〉で始まってるのが印象的で、ロマンチックなアルバムではあるんだけど、でも日常感もあるっていうか、このバランスがやっぱりアナログフィッシュだなって思いました。: 下岡　“Copy & Paste”は最後の方にできた曲で、全体を見て、自分のバランス感覚として、もうちょっと「夢じゃない」っていうか、現実感が必要っていうか、地に足つけたいと思って。他の曲に関しては、もちろんそれぞれ自分の中ではいろんな意味があって書いてるんですけど、自分にとってこういうラブソングを書くっていうこと自体のハードルが高くて、人に曲提供するような気持ちで書いた部分が大きくて。あとは、「自分が住んでる街で起きること」っていう目線はずっと残すっていうくらいですね。

― 〈窓から見える街並みはまるでCopy & Paste〉というラインもありますもんね。その意味では、最後に〈この街は平和に見える〉と繰り返す“Pinfu”が来ているのもポイントで、呂布カルマをゲストに迎え、曲調的にもこれだけ異質な感じはありますよね。: 下岡　この曲のベーシックができたくらいのときに、笹口くんからイベントのオファーがあって、そこに呂布カルマさんも出るって話で。俺ももともと呂布さん好きだったし、呂布さんも俺らのことわりと好きだったらしくて、そのときこのトラックのことが浮かんで、一緒にやってくれるって話になって。〈この街は平和に見える〉って歌詞だけは最初からあったんですけど、どういう歌詞を書いてほしいとかは全然言ってなくて、上がってきたのがこれだったから、やっぱすげえなって。で、ホントはライブで披露して終わりのはずだったんですけど、ボスや（吉田）仁さんも「めっちゃかっこよかったね」って話になって、「じゃあ、アルバムに入れよう」って。最後にこれが来ると、締めてくれる感じがする。レコーディングに関しては、僕最近4トラックのカセットMTRに凝ってて、リハスタで僕がマイク立てて録ったのをそのまま使ってるんですけど。

― 健太郎さんがDTMを始めた一方で、下岡さんはカセットMTR（笑）。: 下岡　録ったのを健太郎さんに送って、ギターとか、うわものは全部健太郎さんに弾いてもらったので、「こんな作り方もできるんだ」って、ちょっと面白かった。; 佐々木　晃がちゃんとバランスを取ってくれてたので、自分は簡単にギターを弾いたりするだけだったというか、すごくスムーズに、それこそ距離も問題なくできましたね。

― アルバムタイトルの『Still Life』は、“静物 / Still Life”から取られたわけですよね？: 下岡　そうです。自分的にはこれが押し曲で、このギターのフレーズ自体は10年前くらいからあったんですけど、当時は借りてきたダサいファンクバンドみたいな、聴くと恥ずかしくなっちゃう感じで。でも、フレーズ自体は気に入ってたから、健太郎さんに「エイトで弾いてください」って言って、改めて作り直して。あと、『Almost A Rainbow』の後に、東京ステーションギャラリーでやってたモランディの個展にすごく感銘を受けたんです。「静物画」のことを「Still Life」っていうのもそのとき初めて知って、その言葉の感動もすごくあったから、この感じで作りたいと思って、いろいろガチャガチャやってみたら、気に入った曲ができました。もっと言えば、僕の名曲のひな形の中に“ルビーの指輪”があって、何年か周期でそういう曲を作りたい欲求が出てくるんですけど、これもその一曲で、今までで一番近づいたんじゃないかって思ってます。

― モランディの個展で感銘を受けたのは、どんな部分ですか？: 下岡　ひとつのモチーフを微妙な違いで何回も同じ風に描くことによって、奥行きが見えてくる感じがあって、その感じがすごい好きだなって。なので、今回のアルバム全体を通じて、同じトーンを連作するようなものにしたかったというか、モランディと静物画の印象があるというか。あとは「Still Life」って言葉が「まだ生きてる」みたいな意味にも取れて、それが頭の中をずっと泳いでるような感じもあったんですよね。

― 僕も最初に『Still Life』っていうタイトルから連想したのは「まだ生きてる」みたいなイメージで、作品のトーンも含めて、『Life Goes On』とリンクするように思ったんですよね。『Still Life』は10枚目のオリジナルアルバムで、『Life Goes On』は5枚目だから、どちらもある種の区切りのタイミングのアルバムでもあるし。: 下岡　なるほど、そうなんですね。でも、僕らの記憶の中だとEPICとか、あの時代がやたらデカくて、ずっとあの頃が6割、それ以降が4割くらいのイメージなんですよ。EPICは3年で、felicityはもう10年いるのに。それにちょっとびっくりしてる（笑）。

― （笑）。でも、それこそ来年20周年っていう話もありましたし、ここからまた何かが始まっていくような、そんな手応えも感じました。: 佐々木　Spotifyとかを使うようになって、最近音楽を聴くのがすごく楽しくて、いろんな音楽が入ってくるから、やりたいことも増えてるし、DTMとか鍵盤を始めて、できることも増えてきたから、焦らずに、時間をかけて、また新しいものを作っていきたいですね。

― では最後に、9月に開催されるリリースツアーに向けて、一言ずついただけますか？: 下岡　Ryoくんに入ってもらってから、ライブすごく楽しいんですよね。ギター一本だと大事なときにどうしても薄くなっちゃったりしたけど、ちゃんと盛り上げられる感じがあるし、あと単純に、僕はすごく楽になったし（笑）。何本もライブをやってきて、Ryoくんのギターのこともわかってきたから、彼の持ってるロックっぽさみたいなところをより発揮できる曲もやりたいなって思ってます。; 佐々木　Ryoくんが入ることで、前の曲も新しい解釈でできて、奥行きも全然違うし、3ピースだと諦めてたところも鳴らせるから、4人のバランスをもっとよくして、前よりよくなってればいいなって。; 斉藤　Ryoくん的にも、自分が今までやってきたことをただやるだけだと、このバンドには対応できないなって、半年以上やってみてわかったと思うんです。決まってることは決まってて、やっていいところとそうじゃないところがはっきり分かれてるのがアナログフィッシュだっていう、そこは厳しいことも言いながら、やっていけたらなって。もちろん、そこからはみ出して出てくるものもあるんですけど、この3人はわりと固いから、入ってくるの大変だと思う（笑）。立ち位置もなかなか定まらなくて、次のツアーはまた違う感じになってるかもしれないです。

― まだまだ変化していくバンドの姿が見れそうですね。楽しみにしてます！

石橋英子、ニューアルバム「The Dream My Bones Dream」発売記念　メンバーインタビュー

admin_fct — Sat, 21 Jul 2018 03:31:18 +0000

石橋英子、ニューアルバム「The Dream My Bones Dream」発売記念　メンバーインタビュー

2018年7月4日に発売となった4年ぶりとなるオリジナル・アルバム「The Dream My Bones Dream」発売を記念して、石橋英子が用意した質問に、アルバムに参加して9月21日に渋谷WWWにて開催されるレコ発ライブにも参加するメンバーたちが答えました。
「The Dream My Bones Dream」完成までの制作過程にも関わってきたみなさまの貴重なインタビューとなります。ぜひご覧ください。

ジム・オルーク

― このアルバムでのご担当は？: 録音エンジニア、ミックスエンジニア、シンセー、ペダルスチール、意見箱

― 最近買った機材は何ですか？: Kyle Gannのcd, Korg MR200s

― 今日何を食べましたか？: 自家製ベジタリアン・ラザーニャ

― 最近見た夢を教えて下さい。: 原則としてわざとまっすぐ忘れる。

― タイムスリップしたらどの国のどの時代に行きたいですか？: 東京1972年

― このアルバムで工夫した事、試してみた事などがあったら教えてください。: 今回は楽器の演奏の意外、英子さんの細かいコラージュ的なサウンドデザインのそれぞれの音のキャラクターを失う事なくまとめる事に全力を注ぎました。自分のミックスの活動の歴史の中で一番、現代音楽、電子音楽、ポップス音楽としてのレコードのバランスを探さなくてだった。

― アルバムを聴いた後、浮かんだ事や考えた事があったらなんでも教えてください。: 英子さんを誇りに思います。

― このアルバムは売れると思いますか？ズバリお答えください。: パーフェクトワールドでno.1になります。

― レコ発でやってみたい事、やりたくない事がありましたら教えて下さい。: 過ちをやらない。。

― 打ち上げはどこに行きたいですか？: 銅鑼

― 音楽をやめようと思う事はありますか？音楽をやっていなかったら、何をしていたと思いますか？: 毎日。映画を作るか映画の編集者。

ジョー・タリア

― このアルバムでのご担当は？: このアルバムではドラムを演奏しています。

― 最近買った機材は何ですか？: 最近Revox B77というオープンリールデッキを買いました。日本で見つけるのに2年費やしました。

― 今日何を食べましたか？: ピザを食べ過ぎました。

― 最近見た夢を教えて下さい。: 最近飛行機で寝ていた時に、パイロットが「今回は飛行機を追突させなかった事を誇りに思います」とアナウンスした夢を見ました。

― タイムスリップしたらどの国のどの時代に行きたいですか？: つまらない答えかもしれませんが、60年代の私の故郷、メルボルンです。そこが外国になったという喜びがありつつも、同時に馴染みの深い場所でもあります。

― このアルバムで工夫した事、試してみた事などがあったら教えてください。: このアルバムの録音は私にとって還元的なプロセスでした。私は自分のドラムのアイデアをベーシックの要素へと抽出する事に努めました。それは同時に、普段私がやっているように、ドラムキット全体というより、それぞれのドラムのパーツの声を楽器として扱う事でもあります。その作業の中で、それらの音が達久の演奏とどのように合わさるのか細心の注意を払いました。

― アルバムを聴いた後、浮かんだ事や考えた事があったらなんでも教えてください。: 最初のベーシック録音から発展した様に驚きました。ボーカルやその他様々な音の層が、我々が演奏した音の文脈を完全に変化させました。それは素晴らしい瞬間でした。

― このアルバムは売れると思いますか？ズバリお答えください。: はい。でもアルバムの売り上げは私にとって完全に謎です。

― 打ち上げはどこに行きたいですか？: もちろん銅羅。

― 音楽をやめようと思う事はありますか？音楽をやっていなかったら、何をしていたと思いますか？: 音楽をやめようと真剣に考えたことは一度もありませんが、何かしらの理由で音楽ができなくなったら何をやっていただろうと、ほんの時々考えます。音楽をやっていなかったら、写真家になったでしょう。音楽以外でごく自然にできる事の１つです。仕事としてという事でしたら、航空交通管制の仕事でしょう。

― 今後の予定を教えてください。: この12年間のキャリアの中で初めてのソロアルバムを最近リリースしました。新しい素材を使ったソロライブをいくつか考えています。次のアルバムにも取り掛かっています。次はリリースまでそんなに時間をかけたくないですね！

須藤俊明

― このアルバムでのご担当は？: エレクトリック・ベースの演奏をさせていただきました。

― 最近買った機材は何ですか？: 鍵盤のMIDIコントローラーを膝にのせて弾いてたら落として壊してしまったので、同じようなものを買いました。これは機材に入るのかどうか微妙です。パソコンのマウスみたいなものなので。

― 今日何を食べましたか？: 食パンにマヨネーズで砦を作って中に生卵を落として、焼いて食べました。

― 最近見た夢を教えて下さい。: ライブ当日に楽器がなくて困る夢を見ました。最悪です。

― タイムスリップしたらどの国のどの時代に行きたいですか？: 未来です。行ってみて何もなかったら、ちょっと戻って・・・を繰り返して、ついでに世界の最後がいつなのか確認します。

― このアルバムで工夫した事、試してみた事などがあったら教えてください。: ベースのちょっとした変化で音楽のニュアンスが変化することを考えたり試したりしてます。

― アルバムを聴いた後、浮かんだ事や考えた事があったらなんでも教えてください。: なんでも、というならば、いままでと雰囲気が変わった！と思いました。でも一番英子さんらしいのかもと思います。

― このアルバムは売れると思いますか？ズバリお答えください。: ズバリというカタカナをみると、どうも真面目に考えられません。ズバリ！

― レコ発でやってみたい事、やりたくない事がありましたら教えて下さい。: それまでにクローン技術で自分のコピーができれば、2～3人に増えて演奏したいです。

― 打ち上げはどこに行きたいですか？: どこまでも。

― 音楽をやめようと思う事はありますか？音楽をやっていなかったら、何をしていたと思いますか？: 音楽をやめたいと思うことはありますが、音に関することはやり続けたいと思います。音楽から楽を取っても続けたいって、なにか間違ってる気がしますが。

― 今後の予定を教えてください。: 新しいなにかをしたいと思ってて、模索中です。

波多野敦子

― このアルバムでのご担当は？: ストリングス

― 最近買った機材は何ですか？: ペンキのローラー、プリアンプ、アナログシンセ

― 今日何を食べましたか？: バナナ

― 最近見た夢を教えて下さい。: 英子さんや達久さんと録音の現場にいました。街中のビルの中にあるスタジオ施設、私はお腹が減っていたのでごはんを買いに１人で外へ。町を歩いていると津波の時の浸水のように白蛇の大群が押し寄せて来ました。私はにょろにょろしたものの大群が好きなので夢中で写真を撮っていると足の踏み場も無い程になってきたので慌ててスタジオへ戻り、写真をみんなに見せているところで目が醒めました。数日前の朝方のことです。

― タイムスリップしたらどの国のどの時代に行きたいですか？: 生レバーが禁止になる前の日本

― このアルバムで工夫した事、試してみた事などがあったら教えてください。: 今回は繊細な音を出す機会が多かったので、弓の持ち方をあれこれ試していました。中指をはずしたり、小指だけ立てたり。相当な数の弦の多重録音だったのでミクロな音程、長距離のグリッサンドなど、感覚と技術のバランスを意識しながら大きな地図を想像して演奏していました。

― アルバムを聴いた後、浮かんだ事や考えた事があったらなんでも教えてください。: 録音中は深海の底をスローモーションのようにゆっくり歩いているような気分でした。聴いた感想は、繰り返し聴けば聴く程、闇と光の振り幅がどんどん大きくなっていく、生き物のような作品だと現時点で感じています。

― このアルバムは売れると思いますか？ズバリお答えください。: 時代を超えてロングセラーになる作品だと確信しています。

― レコ発(9/21渋谷WWW)でやってみたい事、やりたくない事がありましたら教えて下さい。: 石橋英子のためならやりたくないことなどありません、覚悟を決めて臨みます。やってみたいことは、、弦楽らしくない気持ち悪い音もたくさん出したいです。

― 打ち上げはどこに行きたいですか？: 銅鑼のあと、久しぶりにメンバーでカラオケ大会とか。

― 音楽をやめようと思う事はありますか？音楽をやっていなかったら、何をしていたと思いますか？: 現在はやめようと思うことはありません、他のことが出来ません。でももしやっていなかったら、、菌類の研究をしてるでしょうか。

― 今後の予定を教えてください。: 7/22に下北沢Lady Janeで山本達久さんとJoe Taliaさんと３人でライブをします。8/5に下北沢leteで須原杏さんとの弦楽プロジェクトTRIOLAのライブをします。秋にベルギーのPeter Jaquemyn(cb), Gregoire Tirtiaux(sax)と、トリオ音源をリリースします。冬にCellsシリーズの２作目をリリース予定です。年内、JoeさんMix, 石橋さんやジムさんにも手伝って頂いたTRIOLAの新作リリース目標で目下レーベルを探しています。

山本達久

― このアルバムでのご担当は？: ドラムセットを使って色々演奏させて頂きました。

― 最近買った機材は何ですか？: ヘコヘコというアフリカンパーカッションの現代版みたいなメタルパーカッションをハードオフで買いました。

― 今日何を食べましたか？: 昼前に起きて、友達のGiovanni Di Domenicoと素麺とステーキを作って食べました。

― 最近見た夢を教えて下さい。: 最近、ツアーで英語を喋る機会が多かったせいか、日本にいながらも所々に英語で喋るような夢をよく見ます。

― タイムスリップしたらどの国のどの時代に行きたいですか？: いま咄嗟に思いついたのは、1976年、ドイツ、フランクフルトでのKeith Jarrett European Quartetのライブが見たいと思いました。か、普通に、紀元前、キリスト教の影響下にない時代には行ってみたいです。場所は出来れば色んな場所に行って比較してみたいです。

― このアルバムで工夫した事、試してみた事などがあったら教えてください。: このアルバムの歌詞に関して、既に英子さんのライブで内容を把握していたこともあり、それを如何に自分なりに解釈して具現化することに徹するかということよりも、もっとその世界の中に身を委ねるような気持ちを具現化するように演奏したと思います。自分じゃないところから見える自分と言いますか。なんにせよ、もう死んだ人たち名義というより、本当に英子さんのパーソナルな作品だということを意識して演奏したのが、一周回って新しいことだったと思います。

― アルバムを聴いた後、浮かんだ事や考えた事があったらなんでも教えてください。: 一言で言うと、激しい痛みを感じましたが、非常に複雑な気分になりました。なぜなら同時に非常に爽快感も得られる作品だからです。私達が演奏しましたが、まるで、他人事のようにも感じられる不思議な作品です。ポップスの定義に当てはめられる作品だと思うので、そう定義するなら非常に痛快でした。

― このアルバムは売れると思いますか？ズバリお答えください。: すいませんが思いません。もしそうなる世の中なのだとしたら、英子さんがこの作品を別の形で作ったと思います。

― レコ発でやってみたい事、やりたくない事がありましたら教えて下さい。: マルチスピーカーシステムや、映像を使う、お客さんが自由に歩き回れる、同じ内容の演奏を何回もリピートするなどして多次元的、多角的に体験出来るような構成のものがやりたいです。自分が芝居役者になるようなことはやりたくありません。

― 打ち上げはどこに行きたいですか？: 新宿三丁目の銅鑼。

― 音楽をやめようと思う事はありますか？音楽をやっていなかったら、何をしていたと思いますか？: やめようと思うことはありませんが、これを生業にするのをやめたいと思うことはあります。年々思います。音楽をやってなくて、身体も五体満足だったら、もっと日常的に身体の動かせる仕事をしたかったです。

― 今後の予定を教えてください。: 直近で、明日はNTくんのレコーディング。それ以降は色んな即興演奏やライブ、9月から年末にかけてはまたマームとジプシーとあれやこれやする予定です。つまり、いつも通り、やれることを一生懸命やるつもりです。

ライブ情報

石橋英子×マームとジプシー presents
藤田貴大の「The Dream My Bones Dream」

2018/9/21(金) Shibuya WWW
Open 19:15 / Start 20:00
adv.￥4,000 + 1D

演出：藤田貴大 (マームとジプシー)
バンド：石橋英子、ジム・オルーク、ジョー・タリア、須藤俊明、波多野敦子、山本達久

出演：成田亜佑美
映像：召田実子

ticket：一般発売：7/7(土)10:00
チケットぴあ【Ｐコード：121-961】http://t.pia.jp/ ※電話予約あり：0570-02-9999
ローソンチケット【Ｌコード： 76386 】http://l-tike.com/search/?lcd=76386
e+ http://eplus.jp/the-dream-my-bones-dream/

おとぎ話『眺め』スペシャル座談会（後編）

admin_fct — Wed, 20 Jun 2018 11:00:42 +0000

おとぎ話"眺め"座談会(後編)

聞き手／おとぎ話1号
写真／タイコウクニヨシ

「おとぎ話の曲はもっと単純にしたいし、もっと普遍的にしていけたらいいなって」
おとぎ話『眺め』スペシャル座談会（後編）

おとぎ話が新境地を切り開いた待望のニューアルバム『眺め』がいよいよリリース！　
恒例となったおとぎ話メンバーによるスペシャル座談会の“後編”では、アルバムの後半部分をたっぷり解説！さらに、今後のバンドの方向性に関しても言及!!

■有馬「『眺め』の全曲ライブがあった時に、お客さんが『ふしぎソング』でメチャクチャ盛り上がってくれて」

07：『ふしぎソング』

― さて、6曲目は『ふしぎソング』です。ここまでの前半とは雰囲気が変わる感じで。: 牛尾　個人的には、アルバムのB面がこの曲から始まるっていう感じですね。; 有馬　そうだね。そこは、みんなも同じ認識だった思う。

― この『ふしぎソング』は、歌詞と曲調もまさに“ザ・おとぎ話”っていう曲ですけど。: 有馬　「やっと来たな！」って感じの（笑）。じつは、『CULTURE CLUB』以前からあった曲なんですけど、なかなか出すタイミングがなくて。というのも、この曲はホントにおとぎ話っぽい曲だから、おとぎ話っぽいアルバムに入れると、「有馬ってこういう曲作るよな。こういう演奏になるよな」って感じになるかなと思って。

― アルバムに溶け込みすぎてしまうというか。: 有馬　『CULTURE CLUB』や『ISLAY』にも入れようと思えば入ったけど、「ちょっと違うな」と。それが今回のアルバムの中に入れてみたら、「メチャクチャハマるじゃん！」って。

― これまでと違う毛色のアルバムだけに、この曲でホッとさせられる感覚もありますし。: 有馬　このあいだ、渋谷で『眺め』の全曲ライブがあったんですよ。その時、お客さんが『ふしぎソング』でメチャクチャ盛り上がってくれて。ずっと新曲が続いたからか、「私たちのおとぎ話が、ついにキタ！」って感じで、自然発生的に盛り上がったんですね。

― ただ、歌詞のキーワード的には今回のアルバムにはハマりますよね。: 有馬　『ふしぎソング』っていうタイトルが強いから「そんなにファンシーでいいのかな？」と。入れるのをためらってたんですけど、このアルバムだと凄くハマるんですよ。だから「ここまで待ってよかったな」って。; 牛尾　僕は、当初は『眺め』に入れたくなかったんですよ。昔からあった曲だし、ほかの曲とは全然イメージも違うかなと。; 有馬　「違いすぎるんじゃないか？」と思っちゃうんだよね。; 牛尾　でも結果として、一番いい感じに落とし込めたなと。このアルバムに入ったことで、曲の響き方も変わったし。全曲ライブをやって思ったけど、この曲で一気に解放される感がある。このアルバムじゃないと、こうはならなかったかもしれないけど。

― 後半には、ベースの聴かせどころもありますよね。: 風間　ええ。ベースソロがありますからね。このパート、ライブとかだと凄くドキドキするんですよ。「拍手起こるかな～」って思いながら（笑）。; 有馬　いやいや、そこは起こそうよ（笑）。; 牛尾　ただ、この曲もちょっと長めだし、ループミュージックじゃないけど同じコードの繰り返しなんです。そういう構造的な部分でも、このアルバムに合っていたのかなと思いますね。

■前越「ほかの曲にくらべたら、曲の混ざり具合がいい意味で“雑”なんですよ。けして綺麗なわけじゃなくて、ただただ力強いというか」

08：『素顔のままで』

― 8曲目は『素顔のままで』。ここから大きく転調して一気にダークサイドに突入する感じですけど。歌詞もかなり強烈ですね。: 有馬　かなり“言って”ますからね。基本的に、「いいこと言おうとしてる人」みんなに向けて言ってる感じはあります。それと、この曲は「ブルースにしたいな」と思ってて。; 牛尾　「Captain Beefheartみたいにしたい」って言ってたよね。; 有馬　ウン。ぶっ壊れたブルースにしたくて。「Captain Beefheartみたいに、みんなが勝手に全然違うところに向けて演奏したらおもしろいな」と。それで、みんなに自由に演奏してもらってるんだけど、言ってることだけはけっこう社会風刺というか。

― 「アーティスト気取ってる君にはもううんざり」とか。かなりアイロニーが効いてますよね。: 有馬　いま今や誰でも、YOU TUBERとかもそうだけど、みんながみんな「俺が凄い！」って言いがちじゃないですか。でも「そんなに凄い人ってそんなにいないよな」って思うし。

― これは真夜中12時すぎ、有馬くんの暗黒面っていう感じの歌詞ですけど。: 有馬　そうですね（苦笑）。でも、「SNSでそういう不満を投稿するんなら、自分で唄ったほうがラクだな」と思ったし。なので、けっこう若手バンドと対バンするときに唄ってますね。「この曲、聴いてほしいな」って（ニッコリ）。; 一同　ハハハハ！; 前越　でも、同時にそこは自分たちに対しても言ってるんですよ。ある種の“戒め”としてね。

― 曲調の部分では、こういうラウドな演奏もおとぎ話の得意な方向性ですよね。: 前越　なんか、この曲はホントに“土方ブルース”っていう感じで。それなのに、曲名が『素顔のままで』っていう……、もう百点ビーフハートっすね！（ニヤリ）。; 牛尾　オヤジギャグじゃねーか（苦笑）。; 前越　実際、いいグルーヴが出てるんですよ。なんというか、ほかの曲にくらべたら曲の混ざり具合はいい意味で“雑”なんですよ。けして綺麗なわけじゃなくて、ただただ力強いというか。それなのに『素顔のままで』っていうタイトルが、ホントに百点ビーフハートだなと。; 風間　4人とも演奏はバラバラなんだけど、ヘンに合わせないようにしているのが逆にいいバランスになってるのかなって。; 前越　石がゴロゴロ転がるんじゃなく、立ち止まったりうねってるようなリズムで転がってる感じで。黒人みたいにカッコよくないし、グルーヴ的にはちょっとダサい。だけどそこが気持ちよくて。

― つんのめって踊るようなリズムというか。: 前越　演奏しててもどこか安心感があって。俺ね、今回のアルバムの曲は、もうずーっと緊張してるんですよ。でも、この曲だけはちょっとラフでも誰にも文句を言われない（笑）。自分が出したいところで、素直に自分を出せてるというか。; 有馬　むしろ「ラフなほうがいい」タイプの曲だよね。; 牛尾　自分はこの曲のドラムが一番、前ちゃんぽくて好きですね。

― 歌詞の「疲れてばっか」も強烈ですし、これが1曲目の「毎日働いて」と呼応してる感がありますね。: 有馬　ウン。そこも言いたいことは一緒なんですよ。「あーあ、疲れた」ってみんな言うじゃないですか？「あーあ、疲れた」って言う時って、絶対に綺麗な曲にはならないと思うんだよね。; 前越　そういう意味でも、凄くいいアレンジになったんじゃない？

■有馬「『素顔のままで』に土着感があるとすれば、『純真』は『UFOに乗って現実から逃げちゃいたい！』みたいな曲ですね」

09：『純真』

― その流れを組む感じで、9曲目は『純真』ですね。: 有馬　この曲は『素顔のままで』と世界観的に一緒だし、そもそも『素顔のままで』と『純真』って意味合いが一緒じゃないですか。ただ、もともとのアレンジは全然違う、もっとユルいサイケみたいな曲だったんだけど、それをソウルっぽかったり、ファンクみたいな感じにしたくて。

― 歌詞の世界観はおとぎ話っぽいフレーズが多めですよね。UFOも出てきますし。: 有馬　『素顔のままで』に土着感があるとすれば、『純真』は「もうUFOに乗って現実から逃げちゃいたい！」みたいな曲ですね。「ホントに人間関係に疲れちゃった。宇宙人さんお願いします！」って感じで。

― その一方、「友だちに流されないで」というフレーズも入ってくるし。: 有馬　『素顔のままで』や『純真』っていうタイトルもそうだけど、「あんましマスに流されると、ロクなことがないよ」ってことは最近思ってるかな。それよりこうして人と直接話すほうが大事だし、そうじゃない部分に気を使ってる人が多すぎる気がして。今回の歌詞は、どれもそういう部分に言及してる感はありますね。; 牛尾　こういう歌詞でこういう演奏というのが、やっぱいいと思うんですよね。スッと入ってくる匿名性があるというか。; 有馬　基本的に、どこかすっとぼけている曲だしね。

■有馬「みんなの演奏で『コンビニ』が宇宙っぽく響いたじゃん？　そこはかとない“松本零士感”が出てるというか」

10：『LOST PLANET』

― ここから、10曲目の『LOST PLANET』でいよいよ終盤に入って行く感じですけど。: 有馬　もうドンドン宇宙に向かっていく感じ、宇宙で浮遊しながら地球を見ているというか。なんか“憂い”があるよね。「地球っていい星だったなあ……」みたいな（笑）。それに『LOST PLANET』はみんなの演奏が凄くいいんですよ、ホントに。; 牛尾　『LOST PLANET』も有馬の弾き語りの時点から「凄くいい曲だな」と思ってて。アレンジに関しては割とすぐできた印象がある。ただ、この曲もいま今までのおとぎ話だったら、絶対こういう演奏にはできてないなって。

― おとぎ話のアルバムの後半に入ってくるタイプの曲だけど、これも肩に力が入っていない感がありますね。あと唄い出しも凄いし……。: 有馬　「住めば～、都～と♪」だからね。もう演歌だもん！（笑）。; 一同　ハハハハ！

― この“演歌感”はかなりの新機軸ですね。: 牛尾　『LOST PLANET』に関しては、たしかに歌詞がけっこう大きかったね。「コンビニで買う甘いヤツ」ってくだりも、「コンビニ」っていう使い古された言葉を使うセンス。「コンビニ」って言ってるけど、駄菓子屋っぽい郷愁があるというか。; 有馬　でも、みんなの演奏で「コンビニ」が宇宙っぽく響いたじゃん？俺僕が一人で弾き語りで歌ってたら四畳半フォークみたいになっちゃうけど。演奏のおかげで宇宙船から地球を眺めてるような感じでリッチに響いてるし。

― 「コンビニ」という言葉で聴いてる人の日常とも直結しつつ、広大な宇宙とも往復するような感じで。: 有馬　そこはかとない“松本零士感”が出てるというかね。『大四畳半大物語』（松本零士）とか、あのへんの世界観はかなり意識してますね。

■牛尾「有馬から『地球の終わりのような、演奏し終わったら息絶えるような感じで』と言われたので、『そこまで言うならやってやるよ！』と」

11：『EARTHBOUND』

― アルバムの最後を飾るのが、11曲目の『EARTHBOUND』ですね。: 有馬　僕にとっては、この曲が一番「おとぎ話っぽい」感じがしていて。; 牛尾　この曲も有馬のデモ時点から出来がよかったし、「あきらかにいいな」と思ってたから、最後まで手をつけなかったよね。アルバムを録る1～2週間前にようやく向き合い始めた感じで。; 有馬　「いつでもできる！」って感じだったから。; 牛尾　ただ、有馬からは「切羽詰まった感じで演奏してほしい」というリクエストがあって。「地球の終わりのような、演奏し終わったら息絶えるような感じで」と言われて。そのイメージはみんなも共有できてたと思うんだけど。自分は、その先へ行きたかったから、「そこまで言うならやってやるよ！」と思って、ホントに息もせずギターを弾いてるような感じで。

― 映画で言うと本編が終わって、エンドロールで流れる曲のような印象がありますね。曲の終わりも突然ズバッと終わる映画みたいなインパクトがあって。: 前越　いきなりカットがかかったみたいなね。; 有馬　めっちゃ怖いホラー映画みたいな、スカッとしたホラー映画みたいな終末観は欲しかったかな。; 前越　俺が覚えてるのは、この曲を録り終わったあとに、牛尾が俺のところに来て、「前ちゃん、ドラムはもうちょっとラウドなほうがいいんじゃない？」って言ってきて。; 一同　ハハハハ！; 前越　「いや、このぐらいでいいんだよ」って返事した覚えがあるんだけど。; 牛尾　なんかね、有馬にいろいろ言われたことで、俺も過剰になってて、「この曲、もっとぶっ壊れたほうがいいんじゃねぇか？」と思ってたんだけど、ほかのメンバーは割と普通だったから。; 有馬　そのへんは役割分担があって、「牛尾のギターは過剰なんだけど、ドラムやベースは平熱な感じで演奏しているのが超カッコいいかな」と思ったんだよ。; 牛尾　プロデューサーの吉田仁さんからも「このぐらいでいいんだよ」と言われたんで、「ああ、そうなんだ……」って。まあ、そのぐらい俺はこの曲に入れ込んでたというか。; 有馬　でも、この曲の牛尾のギターは本当にメチャクチャかっこいいよ。; 前越　そうだね。俺がギターキッズだったら、「オイオイ、どうやって弾いてるんだよ？」みたいなヤバいフレーズがいっぱい出てくるもん。

― 後半の4曲はどれもライブ映えすると思うんですけど、『EARTHBOUND』はロックバンドとしてのおとぎ話の魅力が全開になる感じで。: 有馬　この前、映画『アベンジャーズ／インフィニティ・ウォー』を観たんですけど、この曲って凄いスーパーヒーロー感があるよね。とくに牛尾のギターは、スーパーヒーローっぽいフレーズの乱れ打ちだし。; 牛尾　そういう意味では、自分でも好きなギタリストのことは意識しましたね。blurのGraham Coxonとか。結果的にはなぜかSuedeっぽくなっちゃったけど（苦笑）。; 一同　ハハハハ！; 前越　俺も録音が終わった直後に、「牛尾、Suede感出てたぞ！」って言いにいったよね。ただ、この曲はそれまでずっとガマンしていた牛尾が、ついに大爆発して「俺のやりたいことを全部やる！」って感じの曲ですよね。「俺のギターを聴け！」「どんだけガマンしたと思ってるんだ！」みたいな。; 牛尾　そこは、自分でも考えつつスタジオに入ってたんですよ。そしたら、有馬から「いや、そういう感じじゃなくて、もっともっと過剰にやってほしい」って言われて。「わかりました」と。; 前越　サビ裏のギターとかホント強烈だから。この曲だけ、ずーっとギターが歌メロと闘ってるもんね。この曲だけ、ボーカリストが二人いるような感じでも楽しめると思う。

■風間「このところラッツ＆スターを凄く聴いてるんですよ。自分たちもああいう感じのことをモダンな解釈でやりたいなって」

― では、最後にアルバムが完成した現在の心境をお願いします。: 有馬　この前、車の中で『眺め』を移動中に聴いたんですけど最後の『EARTHBOUND』が終わって、1曲目の『HOMEWORK』に戻るとかなりいい感じなんですよ。そこでかなり聴こえ方が変わるというか。

― アルバム全体にもループ感があると。前回のインタビューで、『ISLAY』は、過去のアルバムと違って「客観的に聴ける」と言ってましたけど。: 有馬　ああ、そういう意味では、もう『ISLAY』とも比べものにならないくらい客観的に聴けますね。このアルバムのあとは、もう誰のアルバムを聴いても全然大丈夫というか。; 牛尾　もはやBGMになりましたね。自分が演奏してるとか意識しないぐらい普通に聴けますから。; 前越　ヘンな言い方だけど……、「もうとくに言うこともないな」って（笑）。; 風間　レコーディングが終わった時点で、自分たちの手元からパッと離れていった感じがあるんですよ。とくにマスタリングが終わった時の達成感が凄くて、「なんでこんなにいいモノができたんだろう!?」ってビックリして。; 有馬　盤ができあがった瞬間に、「なんでこんなにいいアルバム作っちゃっただろう！」っていうね。; 牛尾　とにかく“がんばった感じ”が滲み出てないのがいいですよね。だから、おとぎ話にとって、ホントの意味でのネクストステージ、次へのファーストステップみたいな感じがしますし。

― まだ完成したばかりですけど、このアルバムの先の展開っていうのは予想できますか。: 有馬　う～ん……。わかんない（笑）。; 前越　俺は、とりあえず毎日ドラムを練習することですかね。もっと自分のできることを増やす、それが一番次に繋がるからね。; 有馬　僕はそもそも音楽の歴史で考えると、50年代、60年代とかに凄くイイ曲ってたくさんあって。それを超える曲ってなかなか出ないじゃないですか。だからこそ、もっと“そっち側”の曲を4人でいま今っぽく演奏したい。そういう意味では、おとぎ話の曲はもっと単純にしたいし、もっと普遍的にしていけたらいいなって。; 風間　それと似たようなことを最近考えていて……。じつは、このところラッツ＆スターを凄く聴いてるんですよ。; 一同　おお～～。; 風間　ラッツ＆スターって構成も凄くシンプルだし、大瀧詠一さんが曲を書いていたり、もちろん曲自体もいいじゃないですか。60年代ソウルの再解釈っていうことだと思うんだけど、自分たちもああいう感じのことをモダンな解釈でやりたいなって。いま今はアルバムができたあとの余白期間で、そういうことを思ったりしてますね。; 有馬　でも、そういう意味ではホントに去年ベスト盤を出したことはバンドとして大きかったなって。

― そのリセット感が、今回の変化に直結しているというか。: 有馬　あんまりバンドを振り返ることってなかったし、ずっと前を見ることしかなかったけど、ホントに「すっごいいいバンドじゃん！」って思ったんですよ。「もう何やってもいいんだ！」と思えたし。今回はその反動が大きかったかもしれない。いま今まで、そこに気付けなかったんですよ。そういう意味で、今後もおとぎ話は周囲を見るんじゃなく、あくまで自分たちのトレンドに忠実に進化していきたいなと思いますね。

おとぎ話『眺め』スペシャル座談会（前編）

admin_fct — Wed, 06 Jun 2018 11:00:07 +0000

おとぎ話"眺め"座談会(前編)

聞き手／おとぎ話1号
写真／タイコウクニヨシ

「常にメチャクチャ力が入っているバンドなんだけど、それゆえの“脱力”を今回は考えた」
おとぎ話『眺め』スペシャル座談会（前編）

felicityに移籍後、『CULTURE CLUB』（2015年）、『ISLAY』（2016年）と傑作アルバムを放ってきたおとぎ話が、新境地を切り開いた待望のニューアルバム『眺め』がいよいよリリース！
今回も、恒例となったおとぎ話メンバー全員によるスペシャル座談会を開催！　制作の裏話、そしてアルバム全曲を徹底解説！

■牛尾「たぶん“ムード”じゃないですかね。いいアルバムっていうのは“ムード”があるんです」

― 前作『ISLAY』から、おとぎ話としては約1年8か月のニューアルバム『眺め』がリリースされます。今回は、どんなかたちでアルバム制作がスタートしたんでしょう。: 有馬　まず、去年1年は『ISLAY』のツアーから始まって、10周年を銘打ったツアーがあり、会場限定のベスト盤（『10 YEARS CARAT』）もつくったりして、「バンドとして、一つの季節を終える1年」みたいな意味合いがあった年だったんですね。

― まさに区切りの1年というか。: 有馬　個人的にはそこを一回終えたことで、「そもそも、おとぎ話って何をやりたかったっけ？」みたいなことはアルバムをつくる間に考えてはいましたね。; 牛尾　felicityで出した過去2作のアルバムは、先行7インチがあったり、最初から指針やコンセプトがあったんですけど。今作はツアーをやりながら、スタジオに入る感じだったんで。アルバムに着手しつつも、ゴール地点は見えてない感じで作り始めて。; 有馬　アルバムをつくるっていう目標はあったけど、「いまつくりたいモノをただただつくっていた」って感じかな。; 牛尾　基本的に有馬の作ってきた曲の骨格があって、それをアレンジしていくんですけど、今回は有馬が曲作りの過程をわりとメンバーに委ねていた感じはあったかな？　逆に言えば、1曲作るまで時間はかかったけど、いままでと違う感じでやろうとしてたのかなって。; 前越　そうだね。ただ、曲を作りながらも「……なんかヘンな曲ばっかだな？」みたいな（笑）。; 一同　ハハハハ！; 前越　「ヘンな曲だけど、聴きやすくしようぜ！」みたいな感じで徐々に進めていったよね。; 有馬　これまでは僕が主導権を握ってコンセプトをつくっていく感じだったけど。今回は「みんなが何がやりたいのか？」を全部総合しつつ、曲を仕上げる前に「本当にコレでいいのかな？」って議論したうえで、最終的に僕が微調整していくみたいな感じだったね。

― そこと繋がるかわからないですけど、前作のインタビューの時に「やっと音楽の作り方がわかった」（https://1fct.net/interview/interview064）という発言があったじゃないですか。: 一同　ああ～～！; 前越　あった！そこは引き続き活かされてるね（笑）。

― 前作と比べても、さらにアルバムに統一感が出てますし。スーッと聴けるというか。: 有馬　組曲感があるというか。; 牛尾　それは、たぶん“ムード”じゃないですかね。いいアルバムっていうのはムードがあるんです。……ヌードじゃないですよ（ニヤリ）。; 一同　ハハハハ！

■前越「今回、練習の時点から、メンバー同士がこっぴどく言い合って。全員が全員に厳しかったよね」

有馬　あと、今回は「なるべく押しつけがましくないように」とは考えたかもしれない。最近、SNSとか見てても、みんなが“良いこと”や“まっとうなこと”を言いがちじゃないですか？　でも、僕たちはそうじゃなくていいかなと。そこは歌詞でも曲をつくるうえで思ったかな。

― なるほど。: 有馬　あとは「何が自分たちのストロングポイントなのか？」と。プロレスで言えば、いくつか技を持ってるんだけど、その技を自由に組み立てて、ようやく自分たちらしい試合ができるようになってきたというか。

― 手数は減っているんだけど、ドラマチック度は確実にあがっている感じですよね。: 前越　ハイ。今回は、“そこ”に凄くこだわってますね。; 牛尾　音数も減ってるし、曲の構成もいままでと違うしね。これまでは「Aメロ⇒Bメロ⇒サビ」みたいな感じだったけど。今回は、ループミュージックが多くて、ひとつのコードや一定のリズムが繰り返される上に唄が乗っかる。いままでのおとぎ話には、こういう曲はあまりなかったし、ギターもかつてないほど弾いていない曲がいっぱいあるし。

― ギターは目立って手数が少ないですね。それでも印象としてはギターが強く残るというか。: 牛尾　あっ！それは録ったあとに気づきました。; 有馬　牛尾はけっこう弾こうとしてたから、僕は「もっと抑えてくれ」と言ったんですよ。「そんなに弾かなくても大丈夫だよ」と。; 牛尾　録音したあとに聴くと、たしかに弾いていないぶん逆に際立つというか。でも、曲を作っているときは不安でしたね。個人的には、「キタ――！」みたいな感覚がなかったので……。; 有馬　いままでの8枚が、「キタ――！」の連続だったから（苦笑）。; 風間　自分の場合は、今回のアルバムはストイックな感じ。さっき牛尾が言ったループミュージック的な曲調に合わせるために、けっこう必死でしたね。; 有馬　ああ、風間くんは過去最高に活躍しているアルバムかもしれない。単純にやることが多いし、簡単なことは一個もやっていないしね。

― 風間くんの手数は増えていると。たしかに、ベースを弾きたくなるような曲が多いですし。: 風間　おこがましいけど、そういう気持ちは自分もありますね。「コレを聴いて、ベースを弾いてほしいな」と。でも、弾いてる時は本当に無心で、集中度もいままでと全然違うから。; 前越　今回、それぞれが相当ストイックになってますから。曲がシンプルなぶん、少しのアラも目立ちやすいし。練習の時点から、おたがいがこっぴどく厳しく言い合って。全員が全員に厳しかったよね。

■牛尾「『脱力したからラク』になるわけじゃなく、『脱力すると逆にキツい』んですよね」

― ただ、聴いた印象ではそういう裏事情は関係なく、フワッと軽やかに耳に入ってきますね。: 前越　それこそが厳しくした成果、でしょうね（笑）。; 有馬　そこまで厳しくやらないと、本当にやわらかい感じでは入ってこないと思うんですよ。おとぎ話は、大学の友だちからスタートしたし、最初は周りにユルい人たちも多かったから、逆に厳しくやってきた。それに見合った曲も書いてきたし。すっごいツバ飛んでるような曲が多かったじゃないですか？　でも、そこを徹底的にやったおかげで、今回みたいに力を抜いたアルバムができたんじゃないかなと。

― 以前は、『AURORA』（『CULTURE CLUB』収録）で、「命果てるまで全力投球！」みたいな。今回は、そういうわかりやすく力の入った曲はないですね。: 前越　あ、そういうのは禁止ですね（笑）。; 有馬　ベスト盤をこの前、友だちの家で改めて聴いて思ったんだけど、本当にそういうバンドなんですよ！常にメチャクチャ力が入っているバンドなんだけど、それゆえの“脱力”を今回は考えたかな。

― 今作のキーワードは“脱力”ですか。: 有馬　でも、結果としていい感じになったなと。今回のアルバムの曲ってともすると、いままでみたいに力を入れて演奏しがちなんですけど、そうなるとムードが合わないんですよ。逆にいえば、いままでの曲も今回のような軽やかなムードで演奏できたら、もっとお客さんも踊れるのかなって。; 牛尾　「脱力したからラク」になるわけじゃなく、「脱力すると逆にキツい」んですよね。あの～、バンドを長く続けていると、“壁”になることってあるじゃないですか。人間関係とかおカネとか女とか……、俺らにはないけど（笑）。; 一同　ハハハハ！; 牛尾　でも、今回の“脱力”はけっこう大きな壁で。それは何の壁かというと“演奏能力の壁”なんですよ。おとぎ話はべつに“うまさ”を求めてたわけじゃないけど、自分たちが求めてる音や演奏を突き詰めたら、「うまくないと出来ない」ことに気づいてしまって。

― いつのまにか、そういう地点に来てしまったと。: 牛尾　そう考えたら、昔のソウルのバックバンドのミュージシャンとか、「あんだけ楽しそうに演奏できるのは、逆にどれだけ技術的に凄かったんだろう」とか思っちゃいますよね。

■有馬「今回、記号性はホントにないですね。アルバムのタイトルをつけるときもキーワードがなさすぎて、『どうしよう』と」

― このアルバムは本当に記号性が少ないというか。前回のアルバムでは、blurやサザン・オールスターズだったり……キーワードがいろいろあったんですけど。: 有馬　今回、記号性はホントにないですね。アルバムのタイトルをつけるときもキーワードがなさすぎて、「どうしよう」と思って。そこで頭に浮かんだのが『眺め』だった。「もう、そうとしか言えないな」と思って。; 牛尾　『眺め』って、いつ頃出たんだっけ？; 前越　スタジオ録音の終わり頃だよね。有馬から「『眺め』にしようと思うんだけど……」と言われて、もう即決でした（笑）。「それ、メチャクチャいいじゃん！」って。; 有馬　アルバムとして、いままでの中で一番押し付けがましくないから、みんなが勝手に捉えてくれればいいなって。

― 人物画とかよりも、風景画っていう印象がありますよね。: 牛尾　もはや、「自分がいない」感じですよ。いい意味で愛着がないっていうか……。いや愛着はあるんですけど（笑）。

― ただ、模索しながら作って来て、タイトルが決まり、ジャケットも出来たことで腑に落ちた感じはありました？: 有馬　もうドンドン腑に落ちていく感じですね。いま、こうしてメンバーの話を聞きながらも「たしかに！」と思うし。逆に一人でインタビューを受けていると、支離滅裂になってしまうというか……。『LOST PLANET』の歌詞にもあるんだけど、「わからない」って感じになっちゃって（苦笑）。

■有馬「『すべての人がドキッとする言葉ってなんだろう？』と思ったときに、『毎日働いて』という歌詞ができて」

1：『HOMEWORK』

― では、恒例のアルバム全曲コメントをお願いいたします。まずは、1曲目は『HOMEWORK』。: 牛尾　自分はこの曲が“一押し”でしたね。シングル切るなら絶対コレがいいなって。; 前越　曲を全部録り終えたあと、「1曲目どれがいい？」って話になったとき、ボクも「絶対、『HOMEWORK』がいい」と言いましたね。; 有馬　僕は「これは1曲目か、最後になるのかな？」と思ってたかな。だから、イントロも含めて、「一番ハッと心を掴むようなアレンジにしよう」と思ってたし。

― ただ、おとぎ話のアルバムの1曲目としては、非常に珍しいタイプの曲ですね。: 有馬　YO LA TENGOの一個前のアルバム（『FADE』）が凄く好きで、「全曲印象がない」んですよ。で、その「全曲印象がない感じを一曲でやりたいな」と思ってて。

― なるほど。: 有馬　あと、Netflixで観た『ストレンジャー・シングス』というドラマみたいに、同じ時間軸の裏側に悪魔が支配しているような世界があるとか……。自分が小さい時から一番興味があったのが、そういうパラレルワールドなんですよ。

― いわゆる並行世界のことですね。: 有馬　「自分がツラい時、もしかすると違う次元にいる有馬和樹は幸せかもしれない」とか、昔からずっと考えてたから、今回は、「やっとそういうこともうたえるな」と。この曲は深く聴けばわかると思うんですけど、いろいろ仕掛けがあって、ずっと同じ展開が続くんですよ。同じコード進行なのにサビになったり、そういう意味で歌詞と曲の構造自体もリンクしているし。

― 歌詞でいうと、インパクトがあるのが、「毎日働いて」というフレーズなんですけど。: 有馬　けっこうパンチラインですよね。僕、最近はSNSとか辟易しているんですよ。いろんな人がいろいろ発信してるけど、「毎日働いてて、毎日ツライな」っていうハケ口にもなってる人もいれば、単純に毎日を楽しんでいる人もいる。ただ、どんな世界も“働く”ことからは逃げられないから。「すべての人がドキッとする言葉ってなんだろう？」と思ったときに、「毎日働いて」という歌詞ができて。

― 軽やかに始まる1曲目だけど、このフレーズがあることでガツンとひっかかりますね。: 牛尾　この歌詞があるとないとじゃ印象が全然違いますよね。曲的にも、同じフレーズを繰り返してるうち、少しづつズレていくような感じ、有馬のいうパラレルワールド感とか。ギターのグルグル回るフレーズや、最初と最後もどれかわかんないみたいな感じになっていくのがいいなって。

■牛尾「都会、夜、ネオンとか、そういうイメージが歌詞から想起されたんで。自分はそういうイメージを込めて演奏した感じですね」

2：『ONLY LOVERS』

前越　これは、有馬が曲を作って来た時に、「早く音源を作りたいなあ！」と思いましたね。歌詞も今っぽいというか、（ドナルド・）トランプも出て来るし。

― トランプはやっぱり、“あのトランプ”なんですね。「そうかな？」とは思ったけど。: 有馬　やっぱり、生きてて目をつぶれないことってあるじゃないですか？　とはいえ、トランプの政治をどうこう言うのは、自分がやりたいことじゃない。でも、どこか匂わせたい気分もあって。でも、歌詞って自分が書くことが100パーセント経験したことじゃなくても、願望でもいいわけじゃないですか？「平成生まれの僕と」とか「トランプしたくない君が」という歌詞は確実にフィクションだし。自分の言いたかったことを代弁してくれてるみたいな感じで。

― 加えて、「東京」という言葉もおとぎ話の歌詞としては珍しいし、おそらく初使用だと思うんですが。: 有馬　ウン。いままで一回も使ったことないですね。でも、「平成」と「トランプ」が出てきたら、もう「東京」も言っちゃえ！みたいな（笑）。; 一同　ハハハハ！

― ただ、「平成」や「東京」は言葉としてかなり生々しいですよね。今回はなぜこのタイミングでこの言葉を使ったんでしょう？: 有馬　もし、いままでのアルバムの中で、「平成」や「トランプ」や「東京」っていう歌詞を書いたら、そっちに引っ張られてつくってたと思うんですよ。『東京』っていうタイトルのアルバムをつくったり（笑）。でも、今回は全部の要素がサラリと同居しているから、アリなのかなと。

― サウンド面でシッカリ地に足が着いているからこそ、こういう歌詞も出てきたというか。: 有馬　今回、本当に肩ヒジ張ってないから。……個人的にも、じつはこの曲が一番好きだったりするんですけどね。単純にみんなの演奏もいいなと思うし。; 牛尾　都会、夜、ネオンとか、そういうイメージが歌詞から想起されたんで。自分はそういうイメージを込めて演奏した感じですね。自分の主観はあんま入れないで。自分的には新宿の夜の感じとかを……。; 前越　あ、牛尾のイメージは新宿なんだ（笑）。; 有馬　僕のイメージでは渋谷なんだけど……（苦笑）。; 牛尾　ハハハハ。渋谷より、夜の歌舞伎町みたいな感じかな。俺の中では、新宿西口のガード下。で、しょんべん横丁を越えて、歌舞伎町に入って行くあたり。; 風間　俺は、むしろ銀座っていう感じなんだけど……。; 一同　ハハハハ！; 有馬　銀座!? 風間なんて、銀座で飲んだことないでしょ（笑）。; 風間　まあ、ないんだけど（笑）。; 前越　でもさ、酔っぱらって、イヤホンで街の中で『ONLY LOVERS』を聴いてるとさ、……けっこう浸れるんだよね（笑）。; 有馬　いいなあ、それ今度、僕もやろう。

■有馬「やっぱりね、僕って歌詞で「チ○ポコ」とか言っちゃうのはNGなんですよ。それは嫌いなんですよ」

3：『HEAD』。

― 次は、『HEAD』。ここでビートが転調する感じですが、前越くんはいかがでしょう？: 前越　これこそ本当のループミュージックっていうヤツで、じつはドラムは全部叩いてないんですよ。何小節か叩いて、それを切り張りしている。; 有馬　Bee Geesとか、『Saturday Night Fever』とかも、そうやって録ってるんだよね。

― 短絡的ですけど、イントロは『BEAT IT』（Michael Jackson）っぽいなって。: 牛尾　いや、それは最高じゃないですか（笑）。; 風間　個人的には、この曲の演奏はスッゲー大変でした。ベースラインはずっと一緒なんですけど、ずっとキープするのが……。勝手に手は動くんだけど、「俺、いま何やってるんだろ」って思ったり（苦笑）。; 有馬　歌詞に関しては、この曲はもうセックスのうたですよね。もちろん直接的じゃなく、暗喩を使ってるんだけど。; 牛尾　俺は、有馬から「セックスのうただよ」って言われて、最初は「はああ？」と思ったんですよ。でも、よく聴いてみると「ああっ！なるほど……!!」という感じになっていって。

― 有馬くん的には珍しい歌詞なんだけど、非常に有馬くんらしい比喩を使った歌詞ですよね。: 有馬　ああ、それは嬉しいです。やっぱりね、僕って歌詞で「チ○ポコ」とか言っちゃうのはNGなんですよ。それは嫌いなんですよ。; 牛尾　普段は、「チ○ポコ！」ってメッチャ言ってるけどね（苦笑）。でも、自分の歌詞には持ち込まないよね。; 前越　嫌だよ、そんなバンド。「チ○ポコ、チ○ポコ」言ってるバンド（笑）。

― それでいて、タイトルは『HEAD』っていうのもおもしろいですね。: 有馬　じつは『HEAD』って調べると、男性器のことを暗に言うんですよね。昔の映画を観ていたときも、「おまえのHEADは～」みたいなニュアンスで使ってて、「カッコイイな」と思って。

― エロいことを考えている脳内、というダブルミーニング的な考え方もできますし。: 有馬　そのへんは聴いてくれた人たちが勝手に捉えてくれれば。僕の中ではかなりエグく書いたつもりだけど、そういう自由な解釈をできる部分も、また自分のストロングポイントかなと思ってますし。

■風間「『綺麗』は、有馬から1分くらいのAメロだけのデモが送られてきた時に、メッチャクチャ感動したんだよね」

4：『綺麗』

― 4曲目は『綺麗』。この曲はMVが先行公開されていますね。: 有馬　これはアルバム用の曲がいくつかできてきた時、櫻木（景／felicityレーベルプロデューサー）さんと話をしてたんですよ。そのとき「すっごくイイ曲を1曲入れてください」「『悲しみのアンジー』（THE ROLLING STONES）ください」という話があって。

― では、櫻木プロデューサーの発注を受けて。: 有馬　それで、僕が『悲しみのアンジー』とBilly Joelをずっと聴きながらできた曲ですね。; 風間　『綺麗』は、有馬から1分くらいのAメロだけのデモが送られてきた時に、メッチャクチャ感動したんだよね。近所の公園で聴いたんだけど、凄く覚えてますね。; 櫻木　風間くんから「超名曲ができたんで、全国に広めましょう！」っていうもの凄く熱いメールが来たよね（笑）。; 有馬　まあ、風間くんはメールを打つとすべてが終わるタイプなんで（笑）。この曲は弾き語りの時は、凄く気持ちを入れてうたってたんですけど、「気持ちを入れるアレンジにはしない」ってことを念頭に考えてつくりましたね。「こんなにおまえのことを思ってるんだぜ！」みたいな押しの強さじゃなくて、あくまでもサラッと伝えるというか。

― 『綺麗』は、有馬くんのメロディメーカーとしての才能が爆発してるというか。『AND YOUNG』（『THE WORLD』収録）や『セレナーデ』『めぐり逢えたら』（『ISLAY』収録）に連なる、自分たちの出自の90年代ロックとは違った、歌謡曲的アプローチというか。: 有馬　そういう目線を90年代より前に行かせてくれたのは、カメラマンのタイコウ（・クニヨシ）さんたちとメシ食ってる時とかに気づいた部分ですね。自分の中にあった“サザン脳”や“桑田脳”みたいな部分を。

― しかも、この『綺麗』には、『JEALOUS LOVE』とかでやったトーンも入ってる感じがしますし。: 牛尾　そう思ったのは、演奏面が大きいのかなって。いままでの俺らなら、こういうシンプルなアレンジにはしなかったし、この曲をアレンジしている時点から、有馬から「Billy Joelみたいに、普遍的ないい曲をあたりまえのように演奏したい」と言われて。でも、それってメチャクチャ難しくて（苦笑）。; 有馬　メチャクチャ難しいよね（笑）。

― Aメロから、サビの「目を閉じて～」に入る瞬間も凄い気持ちよさがありますよね。: 有馬　ただ、演奏面でいうとそこにバーッと開けるような仕掛けはとくにないんですよ。そこはメンバーがホントによくやってくれたなと。いままでなら、有馬のアレンジ一発でどうにかなるみたいな部分を残しておくんだけど、今回は「残さない！」みたいな。; 牛尾　だから、この曲はバンドの成長という意味では一番わかりやすいよね。; 有馬　前ちゃんと風間は、凄くタイトに曲の骨幹をキープしてもらって、そこに牛尾が持っているギターの表現だけで広げて。その“骨密度”が凄いんですよ。; 牛尾　骨格がシッカリしてないと、すぐ折れちゃうから。ただ、こういう仕上がりになるとは想像してなくて、出来上がったら「スッゲーAORみたいだな」と。個人的にはAORってよくわかってないんだけど（笑）。

■前越「『魔法～』のパートは、もう絶対にライブで熱唱するでしょ、お客さんが」

5：『魔法は君の中に』

前越　この曲はね、「魔法」って何回も言うのがカッコいいなって。しかも「魔法、魔法、魔法、魔法」って言いきったと思ったら、また「ま・ほおおお～！」って。「もう一回いくんだ!?」って（笑）。

有馬　ホントに「魔法」言いまくってるよね（笑）。

前越　でも、ホントに新しい。おとぎ話の中ではこういう曲はホントに新しいよ。

有馬　初めて聴いたお客さんは、「スピッツみたい」っていう人もいて。「こういう歌詞でスピッツみたいに聴こえるんだ!?」と思ってビックリしたけど。

前越　でもさ、「魔法」のパートはもう絶対にライブで熱唱するでしょ、お客さんが。

一同　ハハハハハ！

有馬　「ま・ほおおお～！」って（笑）。ぜひ合唱してほしいね。歌詞の部分で言えば「魔法」に関しても、こういう感じのファンシーさは自分は唄うたってこなかったから。

前越　やっぱり「魔法」って一見ファンシーに思えるけどリアルなんだよ。言葉として強いんですよ。

有馬　「魔法」って言葉を使うなら、「恋は魔法みたいな気持ちになる」みたいなことじゃないなと。そういう使い古された言葉じゃなく、僕たちは “魔法そのもの”のうたをつくったわけだから。

■有馬「みんなであらためて聴き返したREMって凄かったね。ヘンなことは何もしてなくて、本当にシンプルで凄かった」

6：『さよなら、またね。』

有馬　この曲は、個人的にアルバムには入るとは思ってなくて、逆にみんなが推してくれたから、ビックリした曲ですね。

― あ、そうなんですね。: 有馬　自分的には “暗い曲”というイメージがあって、僕はずっと重たいアレンジにしようとしてたんです。けど、この曲の話をみんながしている中で、かなり開かれた曲になったから、凄く安心して。; 牛尾　もともと、べつのところに提供するための曲で、有馬が一人で録音してたんだよね。その時はギターがひずむシューゲイザーみたいなアレンジだったけど、それもポップで良かったんですよ。そのときに「いい曲だな」という印象があったんで。

― それでみんなが推したと。: 牛尾　でも、推したはいいものの、できるまでが本当に大変で大変で……（笑）。構造はシンプルなんですよ。みんなも「シンプルに演奏したい」っていう共通認識があって、たとえばREMの『Automatic For The People』（1992年発表のアルバム）みたいな。; 有馬　『Man On The Moon』（『Automatic For The People』収録）みたいな感じでやりたかったんだよね。; 牛尾　『綺麗』も同じだけど、普通にいい曲として演奏したかった。けど、それがなかなか難しくて。; 有馬　この曲をつくっている時、みんなであらためて聴き返したREMって凄かったね。ヘンなことは何もしてなくて、本当にシンプルで凄かった（笑）。; 前越　もう行き詰って、行き詰って。スタジオでも「とりあえず、REM聴こうぜ！」って感じでREM聴いて。「同じテンポでカウントとって、演奏も同じ演奏で、コード進行だけ変わるイメージでやってみよう」とか言いながらやるんだけど、「なんかREMみたいになんねえなあ！」って（苦笑）。; 有馬　「何が違うんだろ？」「アイツらスゲーなあ」って言いながらね。

※まだまだ続く全曲解説。後編は6月20日に更新予定です。

羊文学 "トンネルを抜けたら" 奥冨直人氏コメント

admin_fct — Fri, 29 Sep 2017 10:00:56 +0000

FASHION&MUSICをコンセプトに掲げる東京・渋谷の古着屋「BOY（ボーイ）」のオーナーでもあり、恵比寿リキッドルームと一緒にイベント"Song For Future Generation"などもオーガナイズする奥冨直人氏によるコメント。

下北沢を中心に精力的な活動を行ってきた3人組ロックバンド・羊文学が、10/4(水) 待望の1st EP"トンネルを抜けたら"をリリースする。

このバンドとの出会いは、昨年の春の終わりに"春"という曲を聴いた事から始まった。
何気ないyoutubeの再生ボタンの選択から、突然の衝動的なイントロに度肝を抜かれ、下膊は鳥肌で覆われた。
僕は、直ぐに羊文学宛にCD取扱依頼のメールを送った。それは、振り返ればあまりにも急な事件だったと思う。
若さゆえの苛立ち、その時期特有の葛藤や後悔、そして決断と勇気。それらを丸飲みにしたかの様に感情をあらわにした圧倒的な詞世界。喜怒哀楽の中を泳ぐかの様な、不安定なのに芯のあるメロディー。
その全てが、僕の胸を強く打ち、固く締め付けた。

あれから約1年半。羊文学が作品を発表するのを待ちに待った。
ライヴではどれだけ沢山耳にした事があっても、この音楽はパッケージにしてもっと日常の傍に置いておきたいのだ。

既にライヴでは御馴染みの"雨"を皮切りに、代表曲でもある"春""うねり"と続く。
クリーンながらも尖った音質が、より楽曲の生々しさと危うげな青さを引き立てる。
中盤、最もダンスビートな"踊らない"は、細部のアレンジまでユニークな展開となっていて、羊文学の持ち味が一層活かされたナンバー。
その後の"Blue.2"では、日常に転がる空虚感や物足りなさを、このバンドらしい繊細なフィルターで表現している。
ラストを飾る"Step"は、別れを決意した人の次のステップを後押しする、切なくもたくましい1曲。現在の羊文学から見える景色を、ありのまま等身大で描いている。
楽曲後半のディストーションサウンドと語りかける様なGt/Vo塩塚モエカの歌声が、聴き終えた後も強烈に耳に残り、リスナーの心を掴んで離さない。

大人への階段を上る心揺れ動く時期に、この作品を生み出した羊文学。
あどけない表情と堂々とした姿勢が、こんなにもナチュラルに調和する事は極めて稀有と僕は思う。
この青さが溶け込んだ音に触れられる事も。

"トンネルを抜けたら"、そのトンネルの先には何が見えるだろう。
どんな景色が広がっているだろう。
この作品を聴き終えた頃には、少し答えが見つかっているのかもしれない。

奥冨直人 (BOY)

羊文学『トンネルを抜けたら』インタビューはこちら
https://1fct.net/interview/interview066

羊文学『トンネルを抜けたら』インタビュー

admin_fct — Fri, 29 Sep 2017 10:00:41 +0000

羊文学『トンネルを抜けたら』インタビュー

Text: 金子厚武

日本のバンドシーンがまた新たな季節を迎えつつあると感じさせる注目の3ピース、羊文学がファーストEP『トンネルを抜けたら』を発表する。結成はボーカル／ギターの塩塚モエカが高校一年生だった2012年だが、2015年にドラムの福田ひろ、今年に入ってベースのゆりかが加入。オルタナ／シューゲイザー寄りのざらついたギターサウンドと、内省的な心情を大胆かつ繊細に綴った歌詞、そして何より、塩塚の圧倒的なボーカリゼーションが聴くものの耳を捉えて離さない。まだメンバー全員が現役の大学生だが、昨年にはフジロックの「ROOKIE A GO-GO」にも出演し、すでに早耳リスナーの間ではジワジワとその熱が高まりつつある。ファーストインタビューで、バンドのいままでとこれからを訊いた。

― モエカさんって、ちょっと前まで「はいじ」っていう名前でしたよね？: 塩塚　今年に入ってメンバーが抜けちゃって、一回お休みしてたんですけど、再始動するくらいのタイミングで変えました。去年から一人で弾き語りをする機会が増えて、もう20歳になったのに、自分のことを「はいじです」って紹介するのが恥ずかしくて（笑）。

― 今は本名？: 塩塚　そうです。「はいじ」っていうのは昔からのあだ名で、中学校のときにブログをやってたんですけど、そこでつながった友達とはずっとあだ名で呼び合ってたので……若気の至りです（笑）。

― ギターを弾いて歌うようになるきっかけは？: 塩塚　小学校のときに、YUIがめっちゃ好きな友達がアコギを持ってて、私もやりたいなって思ったので、中学受験が終わったあとくらいから始めました。中島美嘉とか鬼塚ちひろも好きでしたね。

― 小学生の趣味としては渋いかも。: 塩塚　確かに。お父さんが車でよくかけてたんですよね。

― 結成したのは高校一年生のときだそうですが、バンド名の由来は？: 塩塚　「Hジェネ祭り」っていうテレビのオーディションがあって、それに出てたS.R.S（Sleeping Rag Sheep）が好きだったので、「羊」ってついてたらいいなって思ったのと、あとは音楽だけじゃないことを表現したくて、それで「文学」ってつけた気がします。

― 最初は女の子の3ピースだったけど、途中でドラムが抜けて、福田くんが加入したのが2015年11月。: 塩塚　次も女の子がいいと思って、ガールズバンドのドラムを調べまくったんですけど、リーガルリリーの動画を見たら、髪の毛が女の子みたいなドラマーで、「男かもしれないけど、この人だったら大丈夫かも」って（笑）。リーガルリリーはサポートだったこともあって、Twtterでメッセージを送ったら、最初全然返ってこなかったんですけど……。; 福田　最初はちょっと悩んだんです。でも、当時はサポートをたくさんやりつつ、自分のバンドが欲しいと思っていた時期だったので、そういうときにたまたま声をかけてもらったっていうのもあり、やってみようと思って決断しました。

― 確かにパッと見だと性別がわからないけど、いつからその髪型なんですか？: 福田　高1くらいからですね。伸ばしたり、パッツンにしたり、そのとき聴いてる音楽によって変わるんですけど。

― ちなみに、今聴いてるのは？: 福田　今は完全にクリープハイプ。

― 確かに、尾崎くんっぽい（笑）。ドラムはいつからやってるんですか？: 福田　中学校からです。お父さんがバンドでドラムをやっていて、家にドラムがあったので、それでやってみようかなって。

― そして、今年に入ってベースが抜けて、ゆりかさんが加入したと。: 塩塚　新しいベースがなかなか見つからなくて、Twitterで募集をしたら、メールをくれたんです。動画が貼ってあって、フュージョンみたいなのをやってて。; ゆりか　大学のサークルでコピバンをやった動画を送ったんです。羊文学は高校一年生のときに初めて聴いて、ずっと覚えてて、Twitterをゆるくチェックするくらいではあったんですけど、ベースを募集してるって見つけて。; 塩塚　他にも何人かスタジオ入ったんですけど、ゴリゴリの感じが似合う女の子ってなかなかいなくて、でもゆりかちゃんはすごい上手だし、ぴったりでした。

― ゆりかさんはいつからベースを？: ゆりか　大学生になってからです。もともとギターをやってたんですけど、興味本位でベースを弾いてみたら、ベースの方が向いてるなって。

― それから2年足らずでいきなりCDが出ちゃうっていうのはすごいですね（笑）。福田くんは最初に羊文学の曲を聴いて、どんな印象を持ちましたか？: 福田　第一印象は「儚い」でしたね。でも、力強さもあって、内に秘めた何かが歌詞にも文学的に込められてるなって。前向きな音楽っていうよりは、下向きなんだけど、でも最終的には前を向いていけるような、そういう音楽だと思いました。

― 確かに、モエカさんのボーカルは儚さと強さを兼ね備えていて、非常に魅力的だと思うのですが、どうやって今のスタイルを作ってきたのでしょうか？: 塩塚　YUIさんのモノマネから始まったっていうのがありつつ、あと『天使にラブソングを』みたいな、外国人の人がウワッと歌うのに憧れてたりして、そんなに近くはないですけど、自分の中ではそういう感じも出してるつもりです。中高とキリスト教系の学校で、毎朝賛美歌を歌っていたので、そういう影響もあるのかな。

― 海外のボーカリストで好きな人は？: 塩塚　中学のときジャスティン・ビーバーが大好きで、クリスマスのアルバム（『Under The Mistletoe』）をずっと聴いてました。声の出し方とか聴いてて気持ちよくて、それだけでストレス発散になったんですよね。最近はCharaとかもすごい聴いてて、小っちゃい声で歌うのもいいなって思ったり、アレサ・フランクリンは最近気になってます。

― その一方で、ギターの音はオルタナ／シューゲイザー寄りのザラッとした音色ですが、その影響源は？: 塩塚　一番大きな影響はYuckで、最初のアルバムを高校生のときにすごい聴いてて、その音がかっこいいなって。あとは大学に入って、最初ちょっと怖めの軽音サークルに入ったんですけど（笑）、そこで先輩とCancersっていうバンドをコピーしたときに、部室にあったビッグマフを使ったら、それが気持ちよくて。最近は羊文学でも使ってます。; 福田　僕ももともとシューゲイザー、ポストロック、USインディとか大好きなので、ギターの音作りもすごい好きですね。メンバーになる前は「きのこ帝国っぽいな」っていうのも思ってて、きのこ帝国もすごい好きだし。

― 最近若いバンドでオルタナっぽい音を出すバンドがまた増えつつある印象があるんですけど、そんな空気は感じますか？: 塩塚　ニトロデイとかかっこいいし、「こんな友達が高校生のときにいたらよかったな」っていうのは思いました（笑）。みんな辛いことが多いんですかね？　それで「大きい音出したい！」みたいな（笑）。

― ちょっと上の世代でシティポップのブームがあって、アーバンでクールな音が流行ったから、それに対する反動みたいなことでもあるのかなって。: 塩塚　あんまり上の世代のことはわからないんですけど……私たちは3人だったので、スカスカにならないように、無理やり音を厚くした部分もあるんです。私はSigur Rosとかも好きなので、ああいう感じを何とか3人で表現したいっていうのもあったり。

― 曲作りはどういう順番なんですか？: 塩塚　私が弾き語りを送って、それは大体の構成だけ決まってて、アレンジとかはまったくなので、それをスタジオでせーので合わせていく感じです。

― 曲を作る上でのインスピレーション源は？: 塩塚　最近はいろいろ音楽を聴くようにしてて、「こういうバンドのこういう感じ」っていうのがフワッとあって作ることも多いんですけど、今回のアルバムに入ってるのは全部去年までに作った曲で、自分の辛かったこととかが基になってますね。

― 具体的な曲について聞くと、“春”はすでに去年ミュージックビデオがアップされていて、アルバムに入っているのは新録ですけど、やはり展開の多さが非常に印象的でした。: 塩塚　もともと大学生になる前の春休みに作ったんですけど、高校生のときにプログレの有名なやつが好きになって、そういうのは一曲の中にいろんな展開があるのが当たり前だったから、それが上手く繋がってれば勝ちって思って（笑）。なので、そういう展開の面白さを重視してた時期の名残ですね。歌詞には関しては、単に高校の友達がめちゃめちゃ嫌いだったっていう歌です。いかに「嫌い」ってことを言うかみたいな……性格悪すぎる（笑）。

― 普段言えないことが、歌詞なら言えるみたいな感覚があった？: 塩塚　そうですね。高校生のときは嫌なことがいっぱいあったので、そういうことが歌詞になってるんですけど、最近は生きていく上で嫌なことがいつまでも続くわけじゃないし、続いてほしくないなって思うから、今までと違う歌詞を書きたいと思って、いろいろ試してます。“Blue.2”は部活帰りの中学生が2人で線路に飛び降りたっていうニュースを見て、そのときの気持ちを想像したり、自分が中学生だったときのことを考えながら書きました。弾き語りで録ったやつを聴いたときに、ビョークの“Hyperballad”みたいな、景色が広がっていくような感じが出せる気がして、実際バンドでその感じが出せたので、すごく好きですね。最後の方はたくさん音を重ねてすごいことになっていて、モヤモヤしたものが吹き飛ぶっていうか。

― 歌詞全体から感じられたのは、大人と子供の間の揺らぎ、それに伴うディスコミュニケーション、期待と不安、みたいな感覚だったんですよね。: 塩塚　最後の“Step”が一番新しい曲なんですけど、ちょうど前のベースの子が抜けるか抜けないかってときに作った曲で、自分の上手く言えなさとか、反省してる部分を歌詞にしてます。言い訳みたいな感じっていうか（笑）。; 福田　彼女（塩塚）の曲って、エモーショナルだったり、強い部分もあるんですけど、“Step”は人に対して寄り添ってくれるような歌で、新たな場所に踏み出していきたいっていう想いもありますし、個人的にめちゃくちゃ好きな曲です。

― 『トンネルを抜けたら』というアルバムタイトルも、まさに「新たな場所に踏み出す」っていうフィーリングを感じさせますよね。: 塩塚　今まで何度かメンバーが変わったり、CDを出すって話も出たりつぶれたり、将来のことにそれぞれ悩んだりもしてたので、曲にも自分の暗い部分とかが出てたんです。それが“Step”を作ったときくらいから変わってきて、メンバーも揃ったし、今までの暗いところを抜けて、これから頑張っていこうという感じでタイトルをつけました。

― トンネルは成長のメタファーということですね。実際に、福田くんから見てモエカさんはこの2年でどう変わったと思いますか？: 塩塚　大人になったよね？（笑）; 福田　前は暗い感じとか、攻撃的な感じの曲が多くて、“春”の〈嫌い〉とかもインパクトあったじゃないですか？　でも、最近は“Step”みたいな、寄り添ってくれるような曲が多くなってるなっていうのは思います。

― そういえば、コーラスの多用も特徴で、それも作品に温かみを加えているように思うんですよね。: 塩塚　私Team Meも好きで、みんなで大合唱するじゃないですか？　ああいうのに憧れてて、ライブだと3人だからあんまりがっつりはできないんですけど、やってみちゃいました（笑）。でも、今まではワーとかアーってコーラスが多かったんですけど、“Step”は歌詞に沿ったコーラスで、そういうのは初めてです。

― それも“Step”の「寄り添う感じ」っていうのを強めているんでしょうね。ゆりかさんは以前からバンドをずっと見ていたわけではないにしろ、アルバムを一枚作り終えて、トンネルを抜けたような感覚を感じていますか？: ゆりか　昔の話はすごい聞かされたので、大変だったんだなって思って……抜けたと思います（笑）。; 塩塚　ゆりかちゃんが入ったときくらいから、私大人になり始めたんです。最初のメンバーはみんな同い年で、周りの子に頼ってたんですけど、今は2人とも年下になっちゃったから、しっかりしなきゃなって……大人になりました（笑）。

― じゃあ、最後に今後のバンドの展望を聞かせてください。: 福田　よく「フェスに出たい」とかって言う人いますけど……。; 塩塚　出たいよ！; 福田　もちろん、僕も出たいけど、それは当たり前っていうか、出るんで、そういうことよりも……僕的には、羊文学っていうジャンルを作りたいんです。誰かにやらされるんじゃなくて、自分たちが感じて、思ったことをやって、最終的には、僕たちだけの音楽を作れたらなって。

― ゆりかさんはどうですか？: ゆりか　方向性をひとつに絞らないで、何かに縛られずに、いろんなことをやっていきたいです。

― やっぱり、ジャンルとかに捉われるんじゃなくて、羊文学っていう枠の中で、何でも自由にやれるのがいいと。モエカさんは？: 塩塚　私はフェスに出たいです（笑）。またフジロックに出たいので、もう一回呼んでもらえるように、大きいバンドになりたい。あとは、まだ自分は音楽的にいろいろ未熟だと思うので、もっといろんな音楽を勉強したいです。福田も最初は「絶対爆音」みたいな感じだったけど、最近は繊細なドラムを叩き始めたり、そういうメンバーの変化も楽しみだし、私は最近DTMの機械を手に入れたので、それでいろいろ作ってみたり、将来的にはオーケストラともやってみたい。

― 表現の方向性としてはどうですか？これまでは自分の内面を描いてきたけど、今後はそれがどこに向かうのか。: 塩塚　高円寺のU-hAってライブハウスがあって、私はそこスピリチュアルスポットだと思ってるんですけど（笑）、そこの店長さんに「他人のことを書いた曲をやってみたら？」って言われて、確かに、他人のことをもっと観察して曲にするのも面白そうだなって思ってます。あとは英詞もやってみたくて、英語じゃないと出てこないメロディーとかもあると思うから、そういうこともやってみたいです。

― 『トンネルを抜けたら』はバンドにとってはじまりの一枚で、ここから先はホントにいろんな可能性が広がっていそうですね。: 塩塚　自分が30歳とか40歳になったときに、どんな音楽を作ってるか楽しみ（笑）。

奥冨直人氏（BOY）コメントはこちら
https://1fct.net/interview/interview067

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